Ano luz marca um novo capítulo empolgante na História de brinquedos franquia. O filme serve como uma história de origem para o fictício Space Ranger e herói que iria inspirar o brinquedo que Tim Allen deu vida pela primeira vez no filme original.
Faltando alguns meses para a chegada do filme, Discurso de tela conversou exclusivamente com o diretor de fotografia Jeremy Lasky para discutir Ano luzsua adoração pelo gênero sci-fi, criando o visual do filme com suas outras equipes e influências únicas.
Screen Rant: Estou animado para falar sobre Ano luz. Pelo que eu vi até agora, é uma explosão absoluta. Você está com a Pixar há um bom tempo, mas o que era isso? Ano luz que especificamente o levou a querer fazer parte do projeto?
Jeremy Lasky: Bem, principalmente, foi Angus como diretor. Angus e eu fomos à escola juntos; nos conhecemos e nos tornamos amigos na escola de arte há algum tempo, e fazemos filmes juntos desde a faculdade. Quer estejamos no mesmo projeto ou não, sempre falamos sobre filmes e indo e voltando. Eu fico tipo, “Oh, meu amigo próximo vai fazer esse filme incrível. Eu quero trabalhar no filme incrível, e eu quero trabalhar com ele.”
Esse foi o grande atrativo para mim, apenas saber o grande diretor que ele é e saber o quão empolgado eu estava com sua proposta. Eu estava tipo, “Como posso fazer com que as coisas se alinhem para estar nesse filme?”
Diretor de fotografia já é uma posição tão interessante em live-action. Mas com animação, nem consigo imaginar o que tudo isso envolve. Quais são algumas das maiores chaves para você?
Jeremy Lasky: É interessante. É a mesma metodologia. É o mesmo pensamento que o live-action e a animação compartilham, obviamente.
Em CG, meu trabalho é dividido entre eu cobrindo a câmera e a encenação, e meu amigo Ian MeGibben, que é o DP da iluminação. Normalmente, isso empurra esses dois departamentos para extremidades opostas do pipeline, porque é assim que os filmes CGI são feitos. Você filma um monte de coisas e depois coloca a iluminação nelas mais tarde, [and it] fica animado em cada tiro. Nós realmente trabalhamos duro, e tendo ambos trabalhado juntos em Procurando Dory, nós já tínhamos um relacionamento e um estilo de trabalho que é como, “Ok, nós podemos fazer este trabalho melhor? as câmeras fazendo, e a câmera ao mesmo tempo influenciando para onde a iluminação vai?”
É um DP andando em um set de ação ao vivo, e há dois de nós, então é como uma corrida de três pernas. Temos que nos amarrar o máximo possível desde o início, para que tudo pareça coeso quando o filme estiver pronto. Que tudo parece que foi feito para parecer assim e não foi feito em uma série de meses, então essa é uma grande diferença.
A outra grande diferença, do ponto de vista da encenação, é que em um set, normalmente o diretor e os atores estão bloqueando aquela cena. Os atores estão falando sobre onde seu personagem vai estar, como isso vai funcionar. Nossos atores são animadores, certo? Quero dizer, sim, Chris Evans é Buzz Lightyear, mas ele não está realmente andando por aí e se apresentando. Ele está fornecendo a voz e a inspiração antes que qualquer outra coisa seja feita. Então, minha equipe é responsável por cada sequência, descobrindo: “Bem, qual é a encenação da cena? Onde vamos estar na sala? Ou no espaço? Ou como essa luta se desenrola entre esses dois personagens que eu não vai nomear”, por exemplo.
Confiamos bastante na Animação e fazemos parceria com eles em todas as sequências, apenas para conversar sobre algumas dessas ideias para treinar algumas coisas para que, quando os animadores conseguissem a cena, parecesse: “Sim, este é o filme que estamos Essas são as escolhas de atuação que já discutimos. É bom. Agora, realmente aja.
Isso também é um pouco diferente, porque nossa equipe de artistas de layout está tendo que organizar todas essas peças e montá-las para o diretor. Quando eu terminar um layout; quando for editado. Esse pedaço de filme, esse rolo, torna-se o modelo para o resto do filme, o que é muito legal. Se tomamos nossas decisões certas e se envolvemos todos em alto nível nessas cenas? Quando essa cena vai para Efeitos, ou quando essa cena vai para Animação ou Iluminação, todo mundo fica tipo, “Ah, sim, já falamos sobre isso. Agora só precisamos executá-lo, e precisamos torná-lo melhor.”
A outra grande diferença para nós é que trabalhamos muito de perto com a Editorial, e nosso editor Tony Greenberg é inacreditável. Toda a sua equipe foi ótima em colaborar. Enviaremos a filmagem, sentamos e conversamos sobre: ”Aqui está o que estávamos pensando. Talvez algo assim, e aqui estão algumas outras opções”. Eles olham e dizem: “Isso é ótimo. Cara, eu adoraria uma foto como essa e outra como essa. E se tentarmos isso?” Eu estou tipo, “Sim, ótimo, eu vou dar isso para você.”
Podemos passar três ou quatro semanas passando por um processo de edição ou mais em alguns casos, trazendo o diretor em diferentes pontos para olhar para ele. E as coisas são muito maleáveis, as coisas estão mudando. Você está chegando lá e está dizendo: “Sabe, essa linha não funciona mais. Vamos nos livrar dessa linha. Mas e se a cena fosse assim? Ou agora talvez estejamos vendo tudo juntos, aqui está uma nova ideia, e quanto a isso?” E temos flexibilidade para mudar isso. Não precisamos de refilmagens, não preciso ir na frente dos produtores e dizer: “Ei, desculpe. Você pode trazer Chris Evans de volta, não sei, terça-feira? Ele está livre? preciso colocá-lo no navio do Buzz. Espere, nós jogamos isso fora? O que você quer dizer com jogamos isso fora? Ok, então eu não posso… Ah, ok. Me desculpe. Sim, eu vou encontrar outro emprego .”
Tu podes fazer o que quiseres. Você tem essa flexibilidade extra que é exclusiva da animação. Acho que essa é a maior mudança; maior diferença.
Todos com quem conversei, especialmente Angus, parecem ser grandes nerds de ficção científica. Você também tem a mesma mentalidade?
Jeremy Lasky: Ah, sim. Eu sou um grande geek em boa ficção científica. Quando eu era pequeno, eu era um grande nerd em qualquer ficção científica, porque não havia mais nada. Você ia ao cinema, e era aí que você via um filme. Talvez você visse algo na TV mais tarde, tudo editado e estranho – mas não havia internet. Você podia alugar filmes, mas não podia comprá-los quando eu era pequena. Eles eram muito caros, custariam US$ 90 nos anos 80, o que é tipo – eu nem sei quanto é agora, mas é mais do que eu gastaria em um filme.
Então, sim, eu cresci com Star Wars e Flash Gordon e The Black Hole e Buck Rogers e Battlestar Galactica. Todas essas coisas. Se fosse um filme de ficção científica, eu o veria no cinema. Porque essa era a coisa, não havia uma tonelada. Mesmo as coisas que agora eu assisto e digo: “Oh, isso é muito exagerado”. Não era exagerado quando eu tinha sete anos; não havia tal coisa como campy.
Eu acho que há muito na ficção científica que é super fascinante, e muito disso foi puxado para Lightyear, em termos de apenas pensar em como criar um mundo do nada e quantas maneiras e aparências diferentes isso poderia ser. Mas também Lightyear tem muito – não tanto homenagem, mas influência do filme noir nos anos 40, no jogo de luz e sombra. Isso acontece, certamente, em muitos outros filmes mais corajosos dos anos 60 e 70, onde eles estavam perfeitamente felizes em deixar metade do quadro preto porque essa informação não era necessária, ou aquele set não parecia ótimo por lá, ou o que quer que seja. isso foi.
Estamos meio que absorvendo todas essas coisas. E o que é ótimo sobre Angus como diretor, é que ele diz: “Sim, eu amo todas essas coisas. Como podemos colocá-las juntas de uma maneira que pareça nova e que pareça que tudo se encaixa, mas celebra todas as coisas que nós amor sobre filmes?”
Angus marcou Guerra das Estrelas como sua maior influência para este filme. Eu sei que você também mencionou o filme noir, mas você teve algum título específico que realmente influenciou seu processo de encontrar o visual do filme?
Jeremy Lasky: Bem, ele estava certo, Star Wars é certamente o filme que o fez querer fazer filmes. Não sei se diria o mesmo de mim. Mas era um filme que, quando criança? Era isso, tudo era Star Wars. Eu não tenho todas as fotos que ele tem disponível dele se vestindo como vários personagens, certamente não tão tarde – eu me lembro daquele dia [laughs] — mas isso foi grande.
Mas também, nossa equipe estava olhando para algo, como: “O que vai contar a história da melhor maneira? Qual é o truque? Ou como essa cena funciona?” Observamos muito Kurosawa, como ele é tão controlador com o movimento no quadro e certificando-se de que a coisa que se move no quadro é o que você deve prestar atenção. Como você coreografa tudo isso junto? Seus filmes são muito complexos.
Então, certamente, somos influenciados por isso. Eu sou influenciado pelo uso de encenação de Spielberg, e como ele muitas vezes estende os cortes. Ele vai atrasar os cortes porque ele pode rebloquear com a câmera ou com os personagens, e isso é muito interessante para mim. Mas o legal de fazer qualquer um desses filmes é que havia 12 ou 14 artistas de layout na minha equipe, de todas as origens e idades diferentes, e todos eles vêm com seus próprios filmes que eles referenciam ou suas próprias sensibilidades – além de voltar e assistir todas as coisas que estamos falando.
É legal ver um grupo díspar de pessoas como esse se unir e ajudar você a formar uma única visão, trazendo todos esses pequenos pedaços e fazendo com que pareça coeso. Fazendo parecer: “Ah, sim, o design do filme funciona no geral”, mesmo que em alguns momentos possa haver algo como “Olhe para essa cena neste anime que está realmente empurrando o enquadramento dinâmico. Podemos fazer isso .” É um caldeirão, se você quiser.
Ano luz chega aos cinemas em 17 de junho.