Os 15 filmes mais incompreendidos de todos os tempos

A arte é subjetiva, e se um filme é “ótimo” ou “terrível” depende do gosto de cada espectador. Da mesma forma, a intenção dos escritores e diretores que contam essas histórias pode ser totalmente irrelevante para a forma como o seu trabalho afeta o público. Uma declaração artística ousada sobre a condição social pode passar pela cabeça dos espectadores à medida que eles imbuem a história com um significado próprio e mais individualizado. Ainda assim, isso não significa que todas as opiniões sobre o cinema estejam corretas. Na verdade, alguns dos filmes mais populares e duradouros de todos os tempos são completamente incompreendidos pelo público.

É preciso ter cuidado ao falar sobre o significado de certas histórias, especialmente quando os próprios filmes são ambíguos. No entanto, as pessoas que argumentam que Guerra nas Estrelas não deveria ser político estão entendendo gravemente mal os elementos fundamentais da razão pela qual essas histórias existem. Alguns filmes são considerados superficiais e desprovidos de significado, quando na realidade é que os críticos ou o público não percebem a intenção da peça. Equívocos como esses relegam alguns filmes verdadeiramente excelentes ao lixo da cultura pop, tudo porque foram mal compreendidos na época de seu lançamento. O público assistirá a filmes clássicos por gerações, perdendo a profundidade e as nuances da história, se ao menos estivesse disposto a procurá-las.

Atualizado em 28 de outubro de 2024, por Joshua M. Patton: O melhor da arte, especialmente do cinema, é quanto do “trabalho” é feito pelo público. Um filme torna-se amado e apreciado por razões diferentes das pretendidas, como o infame filme de Tommy Wiseau O Quarto. Ainda assim, às vezes a mensagem de um filme se perde na interpretação do espectador, especialmente quando o cineasta busca sutileza e ambiguidade. Este artigo foi atualizado para adicionar mais alguns filmes incompreendidos e estar em conformidade com os padrões de formatação atuais do CBR.

15 Gordon Gekko fez com que todos pensassem que ‘ganância é boa’

Wall Street deveria ser um alerta sobre o capitalismo voraz

De Glengarry Glen Ross para Sala da caldeira para outro filme incompreendido nesta lista, Oliver Stone acidentalmente criou um gênero inteiro com seu filme de 1987 Wall Street. Nele, Michael Douglas interpreta o implacável empresário Gordon Gekko e Charlie Sheen interpreta seu ávido protegido, que assume a responsabilidade por seu comportamento criminoso. Douglas ganhou um Oscar por seu papel. Embora o filme pretendesse ser um alerta e um alerta sobre o quão fora de controle o negócio de investimentos estava se tornando, teve o efeito oposto.

Gekko foi inspirado por várias pessoas reais de Wall Street na época e por outras figuras públicas, incluindo um eventual presidente. No entanto, Stone, Douglas e Weiser disseram muitas vezes, com cansaço, que as pessoas muitas vezes vêm até eles e dizem que entraram no negócio depois vendo esse filme. Em vez de aprender a lição que os cineastas queriam ensinar, eles apenas se inspiraram em Gordon Gekko, e não em Bud Fox, o idiota que é pego e vai para a cadeia.

14 O Iluminado foi a obra-prima de Kubrick, mas Stephen King odiou

O filme sempre foi feito para ser maior que o livro

O diretor mestre Stanely Kubrick fez O Iluminadoe Stephen King odiou. Sendo talvez um dos filmes mais analisados ​​de todos os tempos, este fato sobre O Iluminado é um que a maioria das pessoas conhece, especialmente porque King nunca teve vergonha de compartilhar sua antipatia pelo filme. No entanto, é mais profundo do que King simplesmente pensar que Kubrick tomou muitas liberdades com seu livro. O Iluminado O romance foi profundamente pessoal para King, cuja luta contra o álcool serviu de inspiração para sua história aterrorizante. Para ele, a história é sobre como Jack Torrance destrói a si mesmo e sua família, trancando-os em um lugar amaldiçoado para sofrerem com ele.

No entanto, Kubrick queria fazer um filme sobre coisas maiores do que isso. Desde a escolha de cores e cenografia até mistérios maiores e deliberados como a Sala 237, O Iluminado pretende ser confuso. Jack começa como um homem de família e escritor, que se transforma em um assassino que não consegue usar a linguagem, apenas ruge e rosna até morrer congelado. O livro e o filme são igualmente perturbadores e aterrorizantes, apenas por razões diferentes. O que realmente está acontecendo no Overlook Hotel deveria ser um mistério para o público refletir por Kubrick, enquanto o autor original King acreditava que deveria ser sobre algo muito específico.

13 O filme Watchmen não consegue esconder que os super-heróis são assustadores

A direção de Zack Snyder escondeu a mensagem desconstrucionista de Alan Moore

Embora tenha dirigido mais do que sua cota de filmes de super-heróis, Zack Snyder gostou de adaptar Vigilantes o melhor. No entanto, independentemente da sua intenção, o filme em si não se alinha com a mensagem que Alan Moore e Dave Gibbons queriam transmitir. Na adaptação de 2009, sem dúvida à frente de seu tempo na evolução dos filmes de super-heróis, os personagens parecem legais. Rorschach é um fodão violento, punindo criminosos canalhas que merecem, assim como o resto de seus amigos. Embora as ações dos personagens tenham sido chocantes e contrariassem as expectativas das pessoas em relação aos heróis fantasiados dos quadrinhos, Vigilantes se encaixa perfeitamente nas sensibilidades sangrentas e “classificadas como R” do gênero de filmes de ação.

Ironicamente, uma das decisões mais criticadas tomadas por Snyder e companhia na verdade ajuda a servir o filme e a intenção original da história em quadrinhos: super-heróis são uma má ideia. Há muitas razões pelas quais o filme não conseguiu adaptar o Vigilantes final dos quadrinhos, sendo que era muito semelhante a um episódio de Limites Externos. Para simplificar as coisas, os cineastas trocaram a falsa lula extradimensional por um ataque a Nova York que viraria o mundo contra o Doutor Manhattan. Ao fazer do único super-herói real uma ameaça que une o mundo, o filme inadvertidamente sugere que o mundo está melhor sem os seus “heróis”.

12 O conflito na Matrix é muito compreensível e alguns fãs não entendem

A linguagem do filme foi cooptada por interpretações de má-fé

Depois de 25 anos, 1999 A Matriz voltou aos cinemas e o filme não perdeu o passo com a idade. Os visuais ainda são impressionantes, mesmo que estejam um tanto desatualizados e os efeitos visuais inovadores tenham sido reutilizados e aprimorados. O que faz o filme funcionar tão bem é a simplicidade de sua mensagem. Neo está preso em uma vida onde lhe falta controle e sentido. Ao procurar revolucionários, ele aprende a verdade sobre a matriz e a forma como a humanidade está sendo vítima de mentiras. A ideia de “tomar a pílula vermelha” foi desde então cooptada por intérpretes de má fé tanto da verdade literal como do que o filme diz sobre a identidade.

Lana e Lily Wachowski escreveram e dirigiram o filme antes de ambas fazerem a transição. Embora os temas do filme sejam geralmente aplicados às experiências individuais do público, A Matriz é claramente uma alegoria trans. As máquinas criam uma sociedade falsa deliberadamente cheia de luta e dor para manter a humanidade passiva. Eles determinam a verdadeira identidade das pessoas, e é por isso que Morpheus, Trinity e Neo são tão perigosos. Eles aprendem a ser eles próprios idealizados dentro dos limites desse sistema, dando-lhes poder sobre as forças que exigem a manutenção do status quo.

11 O Poderoso Chefão gerou todo um gênero de filmes de máfia, mas esse não era o objetivo

Vito Corleone foi falhado pela América e seus filhos

Houve filmes de gangster antes O padrinhomas o filme de Mario Puzo e Francis Ford Coppola mudou a forma como Hollywood e o público os viam. Foi um dos maiores sucessos de bilheteria do mundo e continua sendo um filme amado quase universalmente. Embora o filme tenha definido como os espectadores americanos veem a Máfia, esse não era o objetivo do filme. Através do personagem Vito Corleone, Coppola esperava mostrar como as instituições americanas falharam em certas comunidades, criando um vácuo que permitiu a ascensão da multidão. Mas, em vez de glorificarem este grupo como homens de honra e ambição, são tolos apanhados num ciclo de violência que os ajuda a reprimir-se.

Foi uma batalha fazer o filme, tanto com o estúdio quanto com a multidão da vida real, conforme detalhado na série A oferta. No entanto, apesar do seu empreendimento ser tão importante para a família Corleone, Vito passa a maior parte do tempo no filme tentando sair do crime organizado. Ele queria que seus filhos apenas se envolvessem em negócios legítimos, e seu filho Michael, um herói de guerra, nunca deveria chegar perto disso. No entanto, uma vez que Vito é baleado, seus filhos são atraídos ainda mais, piorando suas vidas. Sonny morre. Fredo é um fracasso. Constanzia está presa a um casamento infeliz com um marido violento. E Michael não é apenas contaminado pela mancha do negócio de Vito, ele assume o controle dele.

10 Os Caçadores da Arca Perdida e a calúnia de Indiana Jones

As pessoas acham que Indiana Jones não afetou a trama, mas isso está incorreto

Quando um filme está tão perfeitamente enraizado na cultura pop quanto Os Caçadores da Arca Perdidacertamente gerará discussões. Uma teoria ruim de A Teoria do Big Bang sugeriu que Indiana Jones não teve efeito no enredo do filme. Como os nazistas finalmente pegam a Arca da Aliança, abrem-na e morrem por causa do que sai, o público entende mal o que no filme faz de Indy um herói. O filme subverte o tipo de história que inspirou a criação de Indiana Jones, o aventureiro fanfarrão que sempre sai por cima. Indy está constantemente perdendo a cabeça, falha muitas vezes, mas continua em frente com pura coragem e determinação.

A razão pela qual esta teoria está incorreta é porque Indiana Jones afeta o enredo desde a primeira parada em sua busca.. Ele salva Marion Ravenwood de Toht e seus capangas, que também é o ponto principal do filme. Deixando de lado a preocupante diferença de idade entre Indy e Marion, ele é o herói do filme porque rapidamente deixa de se preocupar com a Arca e apenas em proteger a mulher que ama. Na verdade, mesmo que ele acabe com a Arca, o final destaca o quão inútil foi a descoberta desse importante item histórico (e religioso). Em vez de ser pesquisada por “homens importantes”, a Arca é selada e escondida do mundo.

9 É uma vida maravilhosa, não é tão agradável quanto o público pensa

Esta fantasia de Natal foi um filme anticapitalista furtivo

O filme de Natal de 1946 de Frank Capra foi um fracasso nas bilheterias no lançamento, mas É uma vida maravilhosa é o filme pelo qual ele provavelmente é mais lembrado. É apreciado em grande parte porque é um item básico nas férias e porque é visto como um dos primeiros filmes do gênero ficção científica/fantasia. No entanto, de acordo com o FBI na década de 1940, o filme era “maligno” por causa da forma como retratava Henry Potter, de Lionel Barrymore, em comparação com George Bailey, de Jimmy Stewart. Enquanto Washington DC foi arrastado pelo destrutivo e tolo “Red Scare”, É uma vida maravilhosa foi considerado perigoso por sua moralidade centrada na ideia de que as pessoas deveriam ajudar umas às outras.

Estudioso John A. Noakes escreveram longamente sobre o interesse do FBI no filme, mas com o passar do tempo, eles não precisavam se preocupar. O clássico alegre é realmente sobre como Potter e Bailey representam duas filosofias bancárias diferentes. Chamar o filme de “comunista” é absurdo, mas pinta um quadro duro do capitalismo a toda velocidade pós-Segunda Guerra Mundial que impulsionou a América na época. Mesmo que o público abandone o filme percebendo a moral de que as pessoas são mais importantes que o lucro, muitas vezes ignoram a crítica às instituições financeiras que permanece tão relevante hoje como era há oito décadas.

8 Star Wars: The Rise of Skywalker é uma sequência confusa, mas complementar

Os fãs acham que isso reconectou o último Jedi, mas é profundamente mal compreendido

Da herança de Rey como Palpatine à piada irônica de Luke Skywalker sobre tratar “a arma de um Jedi” com “respeito”. Guerra nas Estrelas: A Ascensão Skywalker é um filme profundamente incompreendido. Isto é algo que tem em comum com o seu igualmente incompreendido antecessor, Guerra nas Estrelas: Os Últimos Jedi devido à sua abordagem Guerra nas Estrelas legado. Em vez de minar o filme de Rian Johnson, A Ascensão Skywalker tenta construir sobre a base acrescentando algo à história e não retirando coisas ou reescrevendo-a. Por exemplo, a chuva de Ach-To acaba nas luvas de Kylo Ren em Os Últimos Jediprenunciando a capacidade de tornar essa conexão da Força totalmente física.

No centro do mal-entendido em torno de ambos Os Últimos Jedi e A Ascensão Skywalker é o quão confiável Kylo Ren é. Desde dizer que as pessoas deveriam “matar” o passado até os pais de Rey vendendo-a por “beber dinheiro”, os fãs parecem pensar que o lado negro em conflito estava falando com a voz dos escritores. A entrada final da Saga Skywalker é recheada. Provavelmente deveriam ter sido (pelo menos) dois filmes em vez de um. Ainda, o filme se baseia nas ideias expostas em Os Últimos Jedi ao incorporar temas maiores da obra de George Lucas Guerra nas Estrelas filmes. Na verdade, se o público verificar os créditos, verá que Lucas foi consultor de história naquela entrada final.

7 O Lobo de Wall Street elevou acidentalmente o que significava derrubar

Jordan Belfort não deveria ser tão engraçado e legal quanto parece

Como outros filmes do célebre diretor Martin Scorsese, O Lobo de Wall Street pode ser visto como uma glorificação das próprias pessoas que pretende indiciar. O filme mostra em detalhes vívidos como a ganância corrompe e conseguir tudo o que se deseja significa perder tudo de valor real. No entanto, Scorsese talvez tenha subestimado a facilidade com que o público americano poderia perder esse ponto. Porque, ao contrário de Travis Bickle, Henry Hill ou seus outros personagens criminosos violentos, as pessoas acham que o estilo de vida e o destino final de Jordan Belfort parecem muito legais, considerando todas as coisas.

Parte do problema vem do elenco, especificamente de quão bem eles desempenharam seus papéis. O Lobo de Wall Street preenche seu mundo com personagens estranhos e coloridos que são divertidos de assistir. Da mesma forma, os momentos destinados a destacar o quão insensíveis ou patéticos eles podem ser prejudicados pela forma como os atores humanizam seus personagens. O filme dedica pouco ou nenhum tempo aos afetados por Belfort e sua turma. O público em geral entende como a multidão prejudica as pessoas, mas os crimes financeiros e suas consequências são menos imediatamente aparentes. Como Glengarry Glen Ross ou Sala da caldeiraos gananciosos e corruptos veem O Lobo de Wall Street tanto como uma validação quanto como uma celebração das coisas terríveis que eles fazem.

6 Star Trek V: a fronteira final tem algo importante a dizer sobre Deus

Escondido no ‘pior’ filme, está uma forte declaração sobre fé e hipocrisia

Star Trek V: A Fronteira Final é um filme melhor do que recebe crédito Jornada nas Estrelas fãs. Atormentado por efeitos visuais ruins, o filme tenta contar uma história de alto conceito sobre Deus, fé e hipocrisia. Em muitos Jornada nas Estrelas retrospectivas e seu próprio “diário” de filmagem publicado, William Shatner queria Jornada nas Estrelas V para destacar a importância da amizade de Kirk, Spock e McCoy em uma história que criticava os televangelistas populares da década de 1980. O recém-descoberto meio-irmão de Spock, Sybok, é na verdade tratado com muito mais gentileza do que sua inspiração, porque ele realmente acreditava que estava em uma missão de Deus.

Apesar da complicada batalha final do terceiro ato que se segue, a cena em que a equipe encontra o Deus de Sha Ke Ree é onde a mensagem do filme se torna clara. Esse ‘Deus’ na verdade é um vilão que pouco se importa com seu rebanho e só quer veneração, elogios e o que não lhe pertence. Esta falsa divindade abusa da fé que as pessoas lhe dão para seu próprio ganho. Gene Roddenberry (um ateu declarado) queria que seu Jornada nas Estrelas tripulação para encontrar Deus, apenas para mostrar ao público que a humanidade não precisava dele. Não é isso que A Fronteira Final está prestes. Pelo contrário, diz que aqueles que afirmam falar com a voz de Deus são muitas vezes vigaristas ou, no caso de Sybok, as suas vítimas.

5 Mulholland Drive é inescrutável e esse é o ponto

O filme Peak ‘Movie as a Dream’ de David Lynch está aberto à interpretação

David Lynch fala frequentemente sobre como seus filmes (e, Picos Gêmeosepisódios de televisão) são construídos em torno da ideia de narrativa visual como um sonho acordado. O filme Estrada Mulholland é talvez o exemplo mais literal desta filosofia, uma vez que grande parte dela ocorre no que é percebido como um mundo de sonho. A última parte do filme é vista como a versão “verdadeira” da realidade, embora suas imagens finais sejam profundamente surreais. Por último, Estrada Mulholland também é visto como uma acusação a Hollywood e ao sistema de estúdios, que corrompe o artístico em busca de lucro e poder. No entanto, não é tão simples assim.

Elementos em comum na obra de Lynch estão presentes em Estrada Mulhollandda história do “detetive” à realização do “Sonho Americano”, desta vez representado pela fama e sucesso financeiro. O final do filme mostra a convergência do mundo onírico e da realidade, o que talvez seja o mais próximo do que Lynch tenta “dizer” com o filme. Tal como os próprios sonhos, o filme está aberto à interpretação, mas também a desafia ativamente. A incerteza em torno do que é real, do que não é e do que tudo isso significa não é apenas intencional, pode ser o objetivo de todo o exercício artístico.

4 A morte em Veneza foi contaminada por outro filme sobre um relacionamento problemático

O polêmico filme não é sobre luxúria, mas sobre morte e juventude

O filme de Luchino Visconti de 1971 (baseado no livro homônimo de Thomas Mann) é considerado um clássico do “cânone queer” do cinema. Embora isso seja sem dúvida verdade, muitos públicos confundem Morte em Veneza como o “gay lolita.” Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) é um compositor que está morrendo. Tadzio (Björn Andrésen) é um adolescente atraente que Gustav percebe e, eventualmente, fica obcecado. Embora o filme esteja cheio de subtextos queer, Tadzio não é exatamente um objeto de desejo por Gustav. Isso fica claro no flashback da conversa entre Gustav e Alfred (Mark Burns) sobre a natureza da beleza e se a beleza “natural” é superior à arte.

A primeira vez que Tadzio nota Gustav, no elevador, lança-lhe um olhar de paquera. Imediatamente depois disso, Gustav relembra uma discussão com Alfred sobre “moralidade” e “mediocridade” na arte convencional. Gustav fica cativado pela beleza de Tadzio, mas também pela sua juventude e vitalidade. O final do filme, em que Gustav morre enquanto Tadzio luta de brincadeira e entra na água da praia, justapõe o fim de uma vida com os “melhores anos” de uma. Morte em Veneza é menos sobre como Gustav deseja um relacionamento com esse garoto e mais sobre como ele gostaria de poder viver o tipo de vida linda e despreocupada que Tadzio leva.

3 O Clube da Luta é abraçado pelas mesmas pessoas que satiriza

O filme expõe masculinidade tóxica e anarquia inútil

Clube da Luta estava à frente do seu tempo, tanto o filme como o romance de Chuck Palahniuk, ao capturar o pavor e o mal-estar da fase avançada do capitalismo. O filme transmite bem sua mensagem anticonsumista. No entanto, os personagens bifurcados de Tyler Durden, de Brad Pitt, e do protagonista anônimo de Edward Norton, respondem à acusação da América do final do século XX de todas as maneiras erradas. Algumas audiências abandonam este filme querendo começar seus próprios clubes de luta e apenas pegar o que querem, como os homens durões do filme. Clube da Luta filme. No entanto, o próprio filme destaca claramente que esses homens são lamentáveis, na melhor das hipóteses.

O filme em si é sobre as conexões humanas e o dever das pessoas de cuidar dos outros. Clube da Luta é anticonsumista, com Norton como o cara com “tudo” e Durden como o cara com “nada”. No entanto, nenhum deles tem a resposta certa. A ideia de que alguém só é “livre para fazer qualquer coisa” depois de “perder tudo” ainda tem a ver com auto-indulgência e direitos. Em vez de celebrar o regresso aos papéis tradicionais de género, Clube da LutaO exame de Masculinidade tóxica mostra como ela atrapalha a formação das conexões que as pessoas precisam. A violência por praticar, seja no clube ou através do Project Mayhem, é inútil.

2 Starship Troopers é um filme dentro de um filme

O público perdeu o objetivo deste envio de propaganda em tempo de guerra

Muitos filmes de guerra destinados a mostrar o horror do conflito armado acabam fracassando, pois o público vê isso como uma glorificação. Tropas Estelares foi criticado no lançamento pelos críticos, que pareciam considerar o filme pelo valor nominal. O público e os críticos da época não conseguiam ver além dos então impressionantes efeitos visuais, com muitos sendo levados pelo entusiasmo exagerado que os soldados humanos tinham em matar os insetos supostamente estúpidos e violentos. No entanto, o que muitos na época consideraram falhas no filme foram incluídos para reforçar a sátira dos filmes de guerra propagandísticos, destinados a atrair simpatia pelo inimigo e encorajar as pessoas a se inscreverem para matá-los.

Seja pelas performances intencionalmente exageradas ou pela violência intensa, décadas depois, o público ainda sente falta disso Tropas Estelares pretende ser um aviso para uma cultura obcecada pela guerra. Perto do início do filme, por exemplo, o Sr. Razchak, de Michael Ironside, fala sobre o “fracasso da democracia” e como o controle militar e a violência são tudo o que mantém a ordem e a estabilidade. Os personagens falam diretamente para a câmera, e muitos são imediatamente e violentamente assassinados pelos insetos. No final do filme, ao perceber que o inimigo não é apenas “inteligente”, mas também “medo”, as massas reunidas aplaudem.

1 O corpo de Jennifer é vítima de marketing ruim

Aqueles que consideraram isso uma brincadeira de terror obsceno provaram o argumento do filme

Junto com a venda do filme ao público, o marketing define as expectativas que os espectadores têm em relação ao filme. Corpo de Jennifer não fez nenhum favor por seu marketing, que apresentou o filme como um filme de terror sexy para adolescentes e jovens que desejam ver mais de Megan Fox. Fotos tiradas durante as filmagens da infame “cena do lago” também circularam online e foram muito mais reveladoras do que a cena em si. Além disso, o roteirista Diablo Cody enfrentou um escrutínio crítico negativo na época, e muitos críticos se recusaram a procurar um significado mais profundo no filme. Por exemplo, o grande Roger Ebert escreveu em sua crítica que Corpo de Jennifer era “Crepúsculo para meninos”, foi uma análise duvidosa, na melhor das hipóteses.

No entanto, nos últimos cinco anos, o público e a crítica perceberam que o discurso contemporâneo interpretava profundamente o filme. Jennifer é uma personagem trágica que não tem autonomia sobre o próprio corpo. O papel que a virgindade desempenha no filme, as múltiplas alegorias à agressão sexual e, mais sutilmente, o subtexto estranho entre a personagem de Jennifer e Amanda Seyfried, chamada “Needy”, é o motivo pelo qual se tornou um clássico na era do streaming. Em vez de um filme que celebra, ou mesmo satiriza, a forma como o sexo é usado nos filmes de terror, é uma acusação disso.. A violência contra Jennifer vem acompanhada de risadas e cantos. Os assassinatos de Jennifer tendem para o lado campestre do terror, o que visa tornar a parte da fantasia de vingança mais palatável. Quer alguém pense Corpo de Jennifer seja eficaz ou não, está claro que foi profundamente mal compreendido no lançamento.