Os elogios ao segundo longa-metragem de Coralie Fargeat A substância é bem merecido. É uma obra-prima existencialista profunda, rara em qualquer forma de arte. Com extrema precisão em todas as frentes, A substânciaa história de está tão perfeitamente embalada no filme quanto a própria substância. Não deixa espaço para interpretação quando se trata de sua mensagem central: é um filme sobre a violência internalizada de uma mulher devido aos padrões de beleza femininos e ao preconceito de idade. Mas fazer um bom filme não se trata apenas de defender um ponto de vista, mas de como ele é expresso. E há universos sendo expressos em cada canto deste filme.
O filme meticuloso de Fargeat tem diálogos incrivelmente secos, construindo um mundo apenas através do simbolismo. Isso permite camadas de interpretação que não desafiam o ponto principal da história. E há metáforas e referências em A substância que o público debate por dias depois de assisti-lo. Quando um filme com uma expressão simbólica tão forte ressoa profundamente entre os espectadores, o significado por trás de cada símbolo causa divisão. Independentemente da intenção original do cineasta (uma vez que o subconsciente também desempenha o seu papel na produção cinematográfica), os espectadores projetam as suas próprias experiências nestes símbolos.
10 A cena do camarão evoca a objetificação das mulheres
A história de Elisabeth Sparkle não precisava ser sobre uma estrela de Hollywood, já que a mensagem central se aplica a outros países e outras indústrias. Mas é. Em uma referência muito óbvia à história recente, Dennis Quaid interpreta um nojento executivo de TV chamado Harvey. Para quem assistiu ao longa de estreia de Coralie Fargeat Vingança e para o público consciente do Movimento Me Too, é impossível não esperar que esse antagonista agrida sexualmente Sue. O filme brinca muito com essa expectativa, focando nos aspectos físicos mais grosseiros do homem toda vez que ele aparece e tendo sua linguagem corporal extremamente agressiva.
Ao ser demitida, Elisabeth fica em silêncio enquanto Harvey fala e come uma quantidade absurda de camarão. Esta cena simples foi descrita como a mais nojenta do filme, apesar de todo o sangue e coragem que vem depois. Não dura muito e pode ser facilmente descartado como algo feito para provocar o desgosto natural das pessoas. Mas parte do público é mais acionada pela associação cultural do que pela ação. Harvey destrói metaforicamente camarões como mulheres. Sua ação simboliza a objetificação feminina em Hollywood que leva as mulheres a serem descartadas, trocadas por “modelos mais novos” como os carros. Harvey deixa as cabeças e os corpos meio comidos dos camarões expostos na mesa, desperdiçando comida sem vergonha. Da mesma forma, Elisabeth é uma iguaria desperdiçada. Além do enredo, a cena expressa quem e o que ele representa. É por isso que é tão desconfortável.
9 O vício em referências do ativador
Tomar a substância é um processo de várias etapas feito por você mesmo, e a substância pode parecer qualquer coisa em teoria. Na verdade, com todos os paralelos que o filme traça com os procedimentos cosméticos, outros cineastas teriam feito a substância parecer uma intervenção médica ou uma cirurgia literal. Mas o alto conceito de Fargeat permite-lhe criticar por associação a obsessão da sociedade pela cirurgia plástica. E a cirurgia em si nunca simbolizaria o que realmente levou Elisabeth a tomar a substância.
O ativador se assemelha ao processo de ingestão de drogas intravenosas como a heroína. De repente evocando Réquiem para um sonhoa cena de Elisabeth pegando o ativador em seu banheiro grita “vício”. A atuação de Demi Moore é de tirar o fôlego, com a tomada de decisão impulsiva de Elisabeth combinando com a expressão vazia de seus olhos no espelho. Ela está automedicando a dor de seu ódio por si mesma, como um viciado em drogas. O sentimento que Elisabeth persegue é a validação de sua autoestima. Dessa forma, o filme aponta indiretamente que resultados extremos, como rostos e corpos malfeitos, vêm do vício em alcançar a beleza.
8 Sue tem superpoderes
Supõe-se que Sue seja a melhor versão de Elisabeth, e o filme expressa claramente como ela é considerada melhor por ser mais jovem. Mas, com A substânciaSendo a estética extremamente irrealista, apesar do realismo de sua mensagem, afirmações narrativas como “Sue é melhor” também são expressas em elementos fantásticos que podem facilmente passar despercebidos durante a exibição. Por exemplo, alguns espectadores acreditam que Sue construir sozinha um quarto nos fundos do banheiro é muito irreal, então deve ser um buraco na trama. Mas e se o “buraco na trama” for intencional?
A construção irreal da sala dos fundos certamente parece intencional quando, no final, Sue chuta Elisabeth pela sala como se ela fosse Starlight de Os meninos. A cena da luta esclarece que Sue tem algum tipo de força sobre-humana, o que lhe permite lutar assim e construir coisas sozinha rapidamente. Isso pode parecer um desvio da mensagem do filme, mas não é. Sue é uma versão melhor de Elisabeth, e Elisabeth é uma mulher talentosa que construiu uma carreira longa e bem-sucedida. Toda a admiração que Elisabeth merece torna-se superpoderes em Sue, o que implica que não existe uma “versão melhor de si mesma” na vida real.
7 Referências da Mosca Morta Cronenberg
O quadro final da cena do camarão mostra uma mosca que cai em uma bebida e se afoga. Embora alguns interpretem isso como um presságio da morte de Elisabeth, esta mosca tem mais camadas. Fãs de terror corporal assistem A substância esperando que seja tão bom quanto seus filmes favoritos, que provavelmente incluem o trabalho do ícone do terror corporal David Cronenberg. Seu filme de 1986 A moscao título mais famoso do subgênero, vem imediatamente à mente neste momento do filme.
A morte de uma mosca em um filme de terror corporal cheio de simbolismo não pode ser acidental. A substância não se parece com o estilo de Cronenberg, mas faz referência A mosca de novo e de novo – como quando Sue perde as unhas no banheiro do local. Paralelamente, o enredo parece a versão de Fargeat de A Ninhadafilme de Cronenberg de 1979 sobre o trauma de uma mulher manifestado em uma ninhada que ela dá à luz. Quer Coralie Fargeat quis dizer as referências conforme elas estão sendo interpretadas ou não, sua mosca morta é um símbolo de como A substância vem da perspectiva feminina, que naturalmente falta nos filmes dirigidos por homens. É um símbolo respeitoso de como A substância não é A mosca.
6 O corredor é a autoimagem de Elisabeth
A substânciaO cenário de tem muitas metáforas interessantes, e certas mudanças em determinados locais expressam os mundos internos dos personagens, eliminando a necessidade de diálogo. O corredor laranja, em particular, representa a visão de Elisabeth sobre a história de sua própria vida. No início, Elisabeth caminha pelo corredor após as filmagens. Ele retrata literalmente todas as suas maiores conquistas, em retratos dos marcos de sua carreira ao longo dos anos nas paredes.
A história de sua vida é completamente apagada das paredes, refletindo como a própria Elisabeth se retira da sociedade após ser demitida. Ver o corredor sem sua imagem aciona Elisabeth, que vê sua imagem como ela mesma. Em vez de procurar uma nova ocupação ou tirar férias, ela se esconde de vergonha e fica com a substância. Sua vida é lentamente substituída pela idolatria dos marcos de Sue, tanto dentro de Elisabeth quanto literalmente no corredor laranja, agora com fotos de Sue.
5 Elisabeth e Sue são uma, mas apenas inconscientemente
A ligação entre Elisabeth e Sue pode ser confusa. Sue vem de Elisabeth, que apelidou de matriz. Eles são um, mas não compartilham a mesma consciência. Parece contra-intuitivo para alguns espectadores que Elisabeth continue tomando a substância, já que ela mesma não pode vivenciar a vida de Sue. Mas faz todo o sentido para Elisabeth, que deseja parecer outra pessoa, e não ser outra pessoa. Ela busca a validação na qual está viciada há décadas, e não mais experiência de vida. Esse desejo impede Elisabeth de encerrar o experimento até o fim.
O fato de eles não compartilharem uma consciência permite um filme muito mais profundo, se o fizessem. A luta entre o eu e o outro internalizado é representada na dinâmica de Elisabeth e Sue, tornando a história mais universal em vez de excessivamente orientada para os personagens. A forma como Elisabeth e Sue se veem é um símbolo de como o sexismo e o preconceito de idade colocam as mulheres contra as mulheres. De uma forma menos óbvia, também evoca uma relação tóxica entre mãe e filha. A sua dinâmica representa como todas as mulheres na sociedade devem lembrar-se de que “somos uma” e que internalizar a misoginia só prejudicará ainda mais as mulheres.
4 Elisasue se torna o monstro no filme de sucesso de Elisabeth
Na cena inicial que apresenta Harvey, Elisabeth o ouve falando ao telefone enquanto ela está dentro de um banheiro. É assim que ela percebe que será substituída. Harvey diz explicitamente que está velha demais para aparecer na televisão e zomba do fato de ter ganhado prêmios importantes há muito tempo. Ele zomba da idade dela dizendo que ela estava na versão dos anos 1930 de Rei Kong. Esta breve menção ao filme clássico parece aleatória neste momento, mas está ligada à cena final do Monstro Elisasue no palco.
O filme de 1933 Rei Kong tem uma cena icônica onde Kong é exibido no palco como uma aberração. Ele então escapa e causa destruição massiva. A substância é uma história diferente, mas termina no mesmo lugar, com Elisasue em exibição. Como Kong, ela está a um gatilho de explodir e causar o caos. Desde que ganhou um Oscar por Rei Kong não basta aos olhos de Harvey, Elisasue se torna King Kong em busca de aceitação. Infelizmente, ela descobre que ainda não é suficiente.
3 A janela da sala faz referência a uma dicotomia
Outro símbolo na cenografia é a janela do chão ao teto do apartamento de Elisabeth. Sendo um filme sobre a luta interna entre o eu e o outro, o dentro e o fora, a sala é uma tradução da persona de Elisabeth. Enquanto o corredor laranja é a sua autoimagem, o apartamento representa como Elisabeth realmente age e é percebida na sociedade. E embora o banheiro seja um lugar íntimo e vulnerável, a sala é a persona teorizada por Carl Jung: sua máscara. Ela está dividida entre quem ela é e o que o exterior exige dela.
Esta interpretação é respaldada pelo outdoor gigante voltado para a janela. O mundo exterior está gritando com seu mundo interno, mostrando imagens de como ela deveria ser. Essa dicotomia é usada ao longo de todo o filme, com Sue também olhando para fora para saber o que se espera dela.
2 Elisasue só fica aliviada quando está livre de seu corpo
Elisabeth desejava ser uma estrela, então ela se tornou uma. Primeiro, ela se tornou uma atriz querida de Hollywood, com sua própria estrela na calçada da fama de Hollywood. Então, ela continuou sua carreira na televisão fitness até os 50 anos. Quando o filme começa, Elisabeth parece feliz. Isso dura apenas até o final da primeira cena, com ela ouvindo Harvey falando sobre ela na próxima. A partir de então, Elisabeth ficou completamente infeliz e obcecada.
Com tanto sangue jorrando no rosto de todos, alguns espectadores podem não estar procurando mensagens escondidas nos últimos quinze minutos do filme. Mas há uma metáfora chave aí. Elisasue não é tão insegura quanto Elisabeth, optando por sair em público, mas com certeza também busca aprovação. Depois de ser atacada pelo público, Elisasue é apenas uma gosma moribunda no chão. Ela rasteja até o topo de sua estrela na calçada da fama, literalmente cumprindo seu desejo original. Nessa cena, quando ela finalmente se liberta do corpo, a protagonista tem seu único momento de alívio. Ela finalmente conseguiu o que o corpo envelhecido de Elisabeth não conseguiu: ser uma estrela para sempre.
1 O grande retrato faz referência à imagem de Dorian Gray
Romance de Oscar Wilde de 1891 O retrato de Dorian Gray deve ter chocado os leitores daquela época, como A substância choques agora. O filme de Fargeat não apenas tem uma premissa semelhante, mas também usou continuamente o motivo de retratos gigantes na cenografia, o que parece um aceno intencional ao de Dorian Gray. No livro de Wilde, um amigo e artista pinta o retrato de Dorian. Ao fazer amizade com um aristocrata hedonista logo depois, Dorian fica fascinado pelo hedonismo e vende sua alma em troca da juventude eterna. Sua imagem, em vez dele, envelheceria e carregaria as marcas de suas ações.
A substância parece fazer referência direta O retrato de Dorian Gray com o retrato gigante de Elisabeth na sala. Primeiro, Elisabeth joga algo nele, causando uma rachadura no vidro. Isso é semelhante ao final do romance de Wilde, quando Dorian Gray danifica a imagem e morre velho. Depois que Elisabeth danificou seu retrato, as ações de Sue fazem Elisabeth envelhecer cada vez mais rápido.