A maioria dos críticos e estudiosos concorda que a Idade de Ouro de Hollywood reinou entre 1915 e meados da década de 1960. No entanto, o verdadeiro auge deste período, quando os “Cinco Grandes” grandes estúdios cinematográficos mantiveram a sua maior demonstração de poder, durou desde o fim da era do cinema mudo, no final da década de 1920, até ao nascimento do movimento da Nova Hollywood, em meados da década de 1920. década de 1960. A Idade de Ouro de Hollywood operou sob o sistema de estúdio, um processo de produção cinematográfica em que os estúdios “Big Five” controlavam a produção, distribuição e exibição. Os estúdios “Big Five” incluíam Metro-Goldwyn-Mayer, Warner Bros., Paramount Pictures, 20th Century Fox e RKO Pictures.
A Idade de Ouro de Hollywood cultivou o avanço tecnológico, a invenção narrativa, as filosofias de edição e os estilos cinematográficos que influenciariam as indústrias cinematográficas em todo o mundo. As origens do cinema começaram como uma novidade, um fenômeno cultural que muitos acreditavam não passar de uma moda passageira. A Idade de Ouro de Hollywood ajudou a transformar o cinema em uma das fontes de mídia de massa mais lucrativas e integrais do mundo. Caracterizada por uma produção extremamente elevada, a Idade de Ouro de Hollywood produziu muitos dos maiores filmes da história do cinema. Cada filme apresentado neste artigo é um homenageado do National Film Registry que desempenhou um papel inestimável no avanço da cultura americana do século XX.
10 Cidadão Kane alterou para sempre a história do cinema (1941)
Um dos filmes mais significativos já feitos, Cidadão Kane revolucionou inúmeros aspectos do processo de produção de filmes. Dirigido por Orson Welles em sua estreia no cinema, Cidadão Kane retrata a ascensão e queda de Charles Foster Kane, um magnata da mídia com tendências autodestrutivas. O magnata editorial William Randolph Hearst forneceu a principal fonte de inspiração para o personagem de Kane. Hearst fez várias tentativas de comprar Cidadão Kane para queimar o negativo e impedir a estreia do filme.
Após seu lançamento inicial, Cidadão Kane desempenho inferior nas bilheterias. Os críticos deram ao filme uma recepção divisiva, com alguns chamando-o de obra-prima, enquanto outros o consideraram um trabalho medíocre. Cidadão Kane conseguiu nove indicações ao Oscar, ganhando de Melhor Roteiro, Roteiro Original. Ao longo dos anos, Cidadão Kane a reputação da crítica disparou à medida que se tornou evidente que o filme influenciou grandemente inúmeros cineastas. Cidadão Kane estrutura narrativa não linear, cinematografia de foco profundo, ângulos de câmera severos, edição de montagem, design de produção e trilha sonora ajudaram a conduzir Hollywood a uma nova era do cinema. Em cinco consecutivas Visão e Som pesquisas decenais de filmes da crítica entre 1962 e 2002, Cidadão Kane classificado como o melhor filme de todos os tempos. O American Film Institute também nomeou Cidadão Kane o melhor filme americano em 1998 e 2007.
9 Os melhores anos de nossas vidas mostram as dificuldades do retorno dos soldados à vida civil (1946)
Ao longo do início da década de 1940, Hollywood produziu muitos filmes de propaganda da Segunda Guerra Mundial que serviram para elevar o moral e encorajar os cidadãos a participarem no esforço de guerra. Os filmes de guerra, em particular, eram principalmente filmes de ação que exibiam o heroísmo americano em contraste com a vilania das potências do Eixo. William Wyler Os melhores anos de nossas vidas adotou uma abordagem diferente para retratar a Segunda Guerra Mundial, oferecendo ao público um exame instigante das dificuldades físicas e psicológicas que os soldados enfrentaram ao retornar à vida civil após a guerra.
Os melhores anos de nossas vidas foi o lançamento norte-americano de maior bilheteria em 1946 e foi o filme de maior bilheteria desde E o Vento Levou estreou em 1939. Os críticos elogiaram Os melhores anos de nossas vidas por suas atuações em conjunto, direção, cinematografia de foco profundo e roteiro. No 19º Oscar, Os melhores anos de nossas vidas ganhou sete Oscars competitivos de Melhor Filme, Melhor Ator Principal, Melhor Ator Coadjuvante, Melhor Diretor, Melhor Roteiro, Roteiro, Melhor Edição de Filme e Melhor Música, Trilha Sonora de Filme Dramático ou Comédia. Harold Russell se tornou o primeiro ator não profissional a ganhar um Oscar.
Russell era um veterano da Segunda Guerra Mundial que perdeu as duas mãos durante o serviço militar. Além de ganhar o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante, Russell recebeu um Oscar Honorário por sua atuação. O American Film Institute incluiu Os melhores anos de nossas vidas em suas listas 100 anos…100 filmes, 100 anos…100 felicidades e 100 anos…100 filmes (edição de 10º aniversário).
8 É uma vida maravilhosa é um alimento básico para o Natal (1946)
Em 1946, Frank Capra foi três vezes vencedor do Oscar de Melhor Diretor. Seus filmes apresentavam narrativas altamente inspiradoras que resumiam o sonho americano. Capra foi um dos vários diretores que se alistou no exército durante a Segunda Guerra Mundial e fez documentários para o governo dos Estados Unidos. Esses cineastas retornaram da guerra, mudados para sempre pelos horrores que testemunharam e, como resultado, seus filmes assumiram um tom mais sombrio. É uma vida maravilhosa é um filme de fantasia sobre um banqueiro, George Bailey, que, frustrado com a existência, pensa em suicídio. Um anjo chega bem a tempo de parar Bailey e mostrar-lhe como seria a vida se ele não existisse.
Apesar de ter recebido cinco indicações ao Oscar, É uma vida maravilhosa recebeu críticas mistas dos críticos e foi um fracasso de bilheteria quando estreou. O fracasso do filme afetou muito a carreira de Capra, que nunca se recuperou realmente. Nos anos seguintes à sua estreia, É uma vida maravilhosa a posição crítica cresceu imensamente. O filme agora é um item básico da época de Natal que milhões de pessoas assistem todos os anos durante as festas de fim de ano. Canal 4, o American Film Institute e Visão e Som são algumas das muitas publicações que incluem É uma vida maravilhosa em suas listas dos melhores filmes de todos os tempos.
7 Charlie Chaplin desafia o som com as luzes da cidade (1931)
Em 1927, O cantor de jazz apresentou ao público o diálogo sincronizado no filme. Inicialmente pensado como um artifício, o som tomou Hollywood de assalto e, em um ano, praticamente encerrou o cinema mudo. Quatro anos depois, Charlie Chaplin decidiu desafiadoramente fazer Luzes da cidadeum filme sem diálogos que continha trilha sonora sincronizada e efeitos sonoros. Luzes da cidade apresenta Chaplin reprisando seu personagem Vagabundo, que, desta vez, se apaixona por uma cega que vende flores. O Vagabundo também faz amizade com um homem rico que só passa tempo com o Vagabundo quando está bêbado.
O enorme risco de Chaplin valeu a pena, com Luzes da cidade tornando-se o lançamento norte-americano de maior bilheteria em 1931. O filme fez tanto sucesso nos Estados Unidos que Chaplin embarcou em uma turnê mundial para promover Luzes da cidade em outro continente. Luzes da cidade também foi um sucesso de crítica, com o National Board of Review nomeando o filme como um dos dez melhores filmes do ano. Sobre Visão e Som pesquisa inaugural da crítica, Luzes da cidade terminou como o segundo melhor filme de todos os tempos, atrás apenas Ladrões de bicicletas. O Instituto Americano de Cinema, A Voz da Aldeia, Tempo, Cahiers du cinemaa BBC e Tempo esgotado todos foram nomeados Luzes da cidade um dos melhores filmes da história do cinema.
6 Psicose fez com que as pessoas tivessem medo de tomar banho (1960)
Baseado no romance homônimo de Robert Bloch de 1959, Alfred Hitchcock’s Psicopata ajudou a inventar o subgênero slasher do cinema de terror. Psicopata estrela Janet Leigh como Marion Crane, uma secretária que rouba US$ 40 mil de seu empregador. Enquanto foge, Crane se refugia em um motel isolado de propriedade do misterioso Norman Bates. A decisão de Crane de ficar no Bates Motel resulta em consequências trágicas.
Antes Psicopata lançamento, os cinemas exibiam filmes em loop, com o público podendo entrar e sair quando quisesse. Para PsicopataHitchcock exigiu uma política de proibição de admissão tardia para garantir que o público não perdesse as agora famosas reviravoltas na trama do filme. Na época de sua estreia, a crítica deu Psicopata uma recepção mista, com alguns questionando a representação sinistra de violência e sexualidade do filme. O público se reuniu para ver Psicopatacom o filme ficando em segundo lugar nas bilheterias norte-americanas em 1960.
Hoje em dia, Psicopata é universalmente considerado uma obra-prima, com críticos e público defendendo as performances, direção e trilha sonora do filme. Psicopata A cena do chuveiro é sem dúvida um dos momentos mais icônicos do cinema. Visão e Somo Instituto Americano de Cinema, Variedade, Impérioe a BBC são apenas algumas das inúmeras publicações nas quais votar Psicopata como uma das maiores obras do cinema.
5 Vertigo passou do fracasso ao maior filme de todos os tempos da Sight & Sound (1958)
Uma adaptação do romance de Boileau-Narcejac de 1954 Entre os mortosAlfred Hitchcock Vertigem é um thriller psicológico estrelado por James Stewart como o detetive de São Francisco John “Scottie Ferguson”. Forçado a se aposentar após um incidente em que a acrofobia de Ferguson desencadeou um grave caso de vertigem, Ferguson concorda em seguir a esposa de seu amigo, Madeleine, depois de ficar preocupado com seu comportamento estranho. A obsessão de Ferguson por Madeleine leva à tragédia.
Após sua estreia inicial, os críticos deram Vertigem críticas mornas. O público também se sentiu indiferente, fazendo com que Vertigem para se tornar um fracasso de bilheteria. Vertigem a recepção desastrosa levou Hitchcock a nunca mais escalar o colaborador frequente Stewart em nenhum de seus filmes subsequentes. No entanto, Vertigem recebeu ótimas críticas na França, com Cahiers du cinema nomeando Vertigem um dos dez melhores filmes de 1959. Com o tempo, a reavaliação crítica de Vertigo resultou em muitos elogiando o filme como a obra-prima de Hitchcock. Em 2012, Vertigem superado Cidadão Kane sobre Visão e Som votação da crítica como o melhor filme de todos os tempos. Uma década depois, Vertigem passou para o segundo lugar em Visão e Som Pesquisa de filmes da crítica de 2022.
4 O Mágico de Oz é o melhor filme de 1939, o melhor ano de Hollywood (1939)
É uma crença comum que 1939 é o melhor ano de Hollywood. Muitos filmes seminais, como E o Vento Levou, Diligênciae Sr. Smith vai para Washingtonpara citar alguns, estreado em 1939. Victor Fleming’s O Mágico de Oz é o melhor filme daquele ano marcante. Baseado no romance de L. Frank Baum O Maravilhoso Mágico de Oz, O Mágico de Oz conta a história de Dorothy Gale, interpretada por Judy Garland, que acorda na Terra de Oz depois que um tornado atinge o Kansas.
Embora O Mágico de Oz teve um bom desempenho de bilheteria, não conseguiu recuperar seu orçamento substancial, resultando em prejuízo para a MGM. No 12º Oscar, O Mágico de Oz ganhou o Oscar de Melhor Música, Canção Original e Melhor Música, Trilha Sonora Original. O estúdio não obteve lucro O Mágico de Oz até seu relançamento em 1949. Durante a década de 1950, assistindo O Mágico de Oz na televisão tornou-se um evento cultural e ajudou a transformar o filme em um dos filmes mais vistos da história. O Instituto Americano de Cinema, Pedra rolando, A Voz da Aldeia, Visão e Some Filme Total cada um nomeado O Mágico de Oz uma das melhores obras do cinema. Em 2022, Variedade classificado O Mágico de Oz o segundo maior filme da história do cinema.
3 Casablanca é a maior história de amor do cinema (1942)
O fato de Michael Curtiz Casablanca tornou-se um dos filmes mais queridos da Era de Ouro e desafia toda a lógica humana. Em CasablancaHumphrey Bogart estrela como Rick Blaine, dono de um café que luta com a decisão de ajudar sua ex-amante e seu marido fugitivo a escapar dos nazistas durante a Segunda Guerra Mundial. Casablanca foi uma produção desastrosa que ultrapassou o orçamento, enfrentou atrasos na produção e não teve um roteiro finalizado para a maior parte das filmagens.
Apesar do caos, Casablanca tornou-se um sucesso milagroso. Em 1943, Casablanca foi o sétimo lançamento de maior bilheteria na América do Norte. No 16º Oscar, Casablanca recebeu oito indicações, ganhando de Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Roteiro, Roteiro. Ironicamente, Casablanca o roteiro se tornou um de seus aspectos mais celebrados, com a votação do Writers Guild of America Casablanca o maior roteiro já escrito. O American Film Institute incluiu seis linhas de Casablanca em sua lista 100 anos…100 citações de filmes. A organização também nomeou Casablanca A maior história de amor do cinema americano e o terceiro melhor filme geral. Império e Tempo também apareceu Casablanca em sua lista dos melhores filmes de todos os tempos.
2 Chaplin usa a comédia para explorar os efeitos da industrialização nos tempos modernos (1936)
Nove anos após o início da era do som, Chaplin decidiu novamente fazer um filme quase todo mudo com Tempos Modernos. Depois dele Luzes da cidade Em uma turnê mundial, Chaplin observou de perto os efeitos que a industrialização estava tendo no mundo durante a Grande Depressão. Ele decidiu fazer Tempos Modernosque mostra The Tramp lutando para se adaptar e encontrar trabalho no mundo moderno. Ao longo do caminho, ele conhece uma moradora de rua que o ajuda em sua existência.
Apesar de mais uma vez correr o risco de fazer um filme mudo na era sonora, Chaplin desafiou seus críticos como Tempos Modernos tornou-se o quinto lançamento norte-americano de maior bilheteria em 1936. O National Board of Review nomeou Tempos Modernos um dos dez melhores filmes do ano. Tempos Modernos acabaria por marcar a última vez que Chaplin interpretou The Tramp. Seu próximo filme, O Grande Ditadorseria seu primeiro filme sonoro verdadeiro. O Instituto Americano de Cinema, A Voz da Aldeiaa Sociedade Nacional de Críticos de Cinema, Cahiers du cinemaa BBC, Tempo esgotadoe Visão e Som tudo incluído Tempos Modernos em suas listas dos melhores filmes já feitos.
1 Cantando na chuva é o melhor filme da era de ouro de Hollywood (1952)
Cantando na Chuva é o maior filme da Era de Ouro de Hollywood. Dirigido por Gene Kelly e Stanley Donen, Cantando na Chuva é uma comédia musical sobre a transição de Hollywood da era do cinema mudo para a era do som. O filme é estrelado por Gene Kelly como um ator de cinema mudo que se apaixona por uma estrela em ascensão, interpretada por Debbie Reynolds, enquanto luta para se adaptar à atuação com som.
Cantando na Chuva foi um sucesso modesto quando estreou em 1952. O filme recebeu duas indicações ao Oscar. O National Board of Review também nomeou Cantando na Chuva um dos dez melhores filmes do ano. No entanto, o filme foi essencialmente tratado como nada mais do que um musical sólido. Ao longo dos anos, Cantando na Chuva emergiu como o ápice do musical da Era de Ouro de Hollywood, com sua luxuosa cinematografia Technicolor, números de dança espetaculares e música fenomenal. O Instituto Americano de Cinema, Visão e Some Império cada um votou Cantando na Chuva entre os dez melhores filmes de todos os tempos. O American Film Institute também nomeou Cantando na Chuva o melhor musical de Hollywood já feito.