la revedere albume rock păstrând adesea ce este mai bun pentru final, câteva discuri clasice se deschid cu cea mai puternică melodie a lor. În același mod în care trupele doresc să atragă publicul cu un deschidere epic la un spectacol live, un album rock trebuie să aibă un cârlig puternic care să atragă ascultătorii, să le ofere o idee despre ceea ce va urma și să pregătească scena pentru viitor. . stil de înregistrare. În unele cazuri, trupele au făcut o treabă atât de bună la melodia lor de deschidere, încât albumul a atins imediat apogeul și nu a mai atins niciodată aceleași înălțimi ca piesa de debut.
Un album cu adevărat grozav poate duce artiștii la următorul nivel, iar toate aceste discuri rock au ceva special de oferit. Doar pentru că aceste albume au atins apogeul odată cu melodia de deschidere nu înseamnă că restul muzicii ar trebui ignorată, deoarece în multe cazuri aceste colecții de cântece au reprezentat unele dintre cele mai durabile și mai emblematice muzică rock realizată vreodată. Albumul este o ascultare completă, fiecare piesă transmițând informații celorlalți.dar aceste discuri rock 'n' roll au reușit să realizeze ceva special cu acea primă melodie.
10
Ramones (1976)
The Ramones: „Blitzkrieg Bop”
Este greu să ne gândim la o trupă care să încapsuleze mai bine un sunet într-o singură piesă decât Ramones cu „Blitzkrieg Bop” pentru a-și deschide albumul de debut. Ramones din 1976. Ca precursor al muzicii inovatoare care a urmat, 1977 a fost perioada de glorie a punk-ului. The Ramones a pus bazele punk rock-ului cu deschiderea albumului.care a fost brut, simplu și la obiect. Ca o melodie semnătură care a combinat brutalitatea devastatoare a atacurilor germane din timpul celui de-al Doilea Război Mondial cu energia dansabilă a unui sunet anti-establishment, „Blitzkrieg Bop” a devenit Ramones, distilat în 2 minute și 12 secunde.
la revedere Ramones a fost un album plin de melodii iconice precum „I Wanna Be Your Boyfriend” sau energia agresivă a „Now I Wanna Sniff Some Glue”, acest album a atins deja apogeul până la finalul primei piese. A fost o dovadă a capacității lui Ramones de a scrie rock and roll concis, atrăgător și simplu, care a condensat spiritul și atitudinea scenei punk în plină dezvoltare din New York în explozii rapide de muzică. energie muzicală incredibilă.
9
Elephant (2003)
dungi albe: „Armata celor șapte națiuni”
Impactul cultural al hitului „Seven Nation Army” al trupei White Stripes este ușor de subestimat, deoarece prezența sa omniprezentă ca cântece la evenimente sportive a însemnat că și-a depășit originile ca single rock alternativ. „Seven Nation Army” a devenit melodia semnătură a White Stripes și un moment definitoriu al renașterii garage rock-ului din anii 2000. De la linia de bas atrăgătoare, care se repetă, până la modul în care muzica se construiește până la un grandios crescendo în refrenul puternic, chiar și cei cu puțin interes pentru muzica rock vor recunoaște instantaneu această melodie.
În timp ce al patrulea album al lui White Stripes, Elefanta avut un alt mare succes cu „The Hardest Button to Button” și melodii captivante precum „I Just Don’t Know What to Do with Myself” și „There's No Home Here for You”, niciuna dintre ele nu a fost la înălțimea deschiderii epice care a fost „Șapte armate naționale”. Ca al 36-lea cel mai mare cântec din toate timpurile, conform Rolling Stone revista, a fost piesa care i-a făcut pe Jack și Meg White doi dintre cele mai mari nume ale muzicii la mijlocul anilor 2000..
8
Femei violente (1983)
Femei violente: „Blister in the Sun”
Una dintre cele mai importante trupe underground de folk-punk și rock alternativ din anii 1980, Violent Femmes au avut o influență majoră asupra peisajului muzicii indie rock moderne. Cu un stil care combină folk, rock, grunge, pop-punk și emo, Violent Femmes și-au infuzat muzica cu energie și emoție, precum și versurile lor melancolice de romantism fără speranță, care se potrivesc cu adolescenții sensibili ai anilor 1980. Debutul omonim din 1983 al The Violent Femmes rămâne cel mai popular album al lor.și totul a început cu o bubuitură, când ascultătorii au fost uimiți de puterea „Blister in the Sun”.
Dispunând de o energie dinamică care combina entuziasmul tinereții și neliniștea adolescenței, „Blister in the Sun” se lăuda cu o estetică bricolaj fără scuze, vocea excentrică și vulnerabilă nazal a lui Gordon Gano și versuri criptice despre pofta și pasiunea adolescenților. și energie nervoasă. The Violent Femmes au avut și alte melodii fantastice, cum ar fi intensitatea brută și frustrarea reținută din „Add it Up”, dar nimic din înregistrare nu a avut atractivitatea de durată a „Blister in the Sun”. În timp ce Violent Femmes au un catalog grozav, aceasta a fost prima melodie de pe primul lor album care a fost amintită pentru totdeauna.
7
Ai experimentat (1967)
Experiența Jimi Hendrix: „Purple Haze”
Când vorbim despre cei mai mari chitariști din istoria rock and roll, un nume se află de obicei deasupra celorlalți: Jimi Hendrix. O figură definitorie a mișcării muzicale psihedelice din anii 1960, Hendrix și trupa sa The Jimi Hendrix Experience au provocat unde de șoc în industria muzicală în timpul scurtei lor istorii, terminându-se tragic cu moartea lui Hendrix la vârsta de 27 de ani, în 1970. a fost scurt, a lăsat în urmă o lucrare incredibilă și toate cele trei albume ale grupului său lansate în timpul vieții au fost incluse în Cele mai bune 500 de albume ale tuturor timpurilor de la Rolling Stone.
Este incredibil cât de complet format este stilul lui Hendrix, pentru că este greu să încadrezi „Purple Haze”, piesa de deschidere a ediției nord-americane a albumului de debut al trupei. Esti experimentat. Deși alte cântece precum „Foxy Lady” și „Hey Joe” sunt considerate unele dintre cele mai bune lucrări ale lui Hendrix, „Purple Haze” prezintă o linie revoluționară de chitară. și o sensibilitate psihedelică de altă lume, care era cu adevărat înaintea timpului său. O prezentare convingătoare a statutului lui Hendrix ca legendă a chitarei, „Purple Haze” a pus bazele hard rock-ului și heavy metalului din deceniile următoare.
6
Nu contează (1991)
Nirvana: „Miroase a Teen Spirit”
Deși sunetul din Seattle, cunoscut sub numele de grunge, a fost în creștere încă din anii 1980, cu trupe care îmbină stilurile punk rock și heavy metal pentru a crea ceva nou, popularitatea sa a explodat odată cu lansarea celui de-al doilea album de studio al lui Nirvana. Nu contează. Acest disc a devenit o parte definitorie a istoriei muzicii a anilor 1990. Lirismul brut și vulnerabilitatea emoțională a lui Kurt Cobain a câștigat mulți ascultători, iar grupul a devenit o senzație mondială. Acceptarea generală a grunge-ului se poate reduce la o singură melodie: „Smells Like Teen Spirit”, piesa de deschidere a albumului. Nu contează.
De la riff-ul de chitară atrăgător, cu ritm rapid, până la refrenul amenințător, abordarea liniștită și puternică a lui „Smells Like Teen Spirit” a captat sunetul trupei și a devenit cea mai bună piesă de pe Nevermind. Cu versuri criptice, dar recunoscute, care exprimă frustrarea și alienarea adolescenților, „Smells Like Teen Spirit” a devenit un imn pentru adolescenții leneși din Gen X care doreau să reziste corporatizării muzicii și comercializării credințelor anti-establishment. Cântece precum „Come as You Are” și „In Bloom” oferă un adevărat pumn Nu contează a atins apogeul cu deschizătorul.
5
Ice Zeppelin II (1969)
Led Zeppelin: „Întreaga dragoste”
Trupa care a răsărit din cenușa Yardbirds, Led Zeppelin a fost unul dintre primele supergrupuri rock, deoarece a combinat abilitățile virtuoziste ale chitaristului Jimmy Page cu puterea vocală incontestabilă a lui Robert Plant. În timp ce acesta este afișat complet în piese semnate precum „Black Dog” și „Stairway to Heaven”, este greu să depășești deschiderea incredibilă a albumului pe această melodie. Ice Zeppelin II a fost „Whole Lotta Love”. Cu un riff captivant, refren și sunet hard rock care au rezumat totul grozav despre trupă, atracția „Whole Lotta Love” nu s-a diminuat niciodată.
Ice Zeppelin II a fost un album revoluționar care a ajuns pe primul loc în Marea Britanie și SUA. și a pus bazele pentru ca trupa să devină una dintre cele mai influente trupe din toate timpurile. Deși au existat multe alte melodii incredibile pe acest disc, cum ar fi „Ramble On” și „Heartbreaker”, niciuna dintre celelalte piese nu are același atractiv în masă ca numărul de deschidere. „Whole Lotta Love” a fost un masterclass în muzica rock, deoarece riffurile sale hipnotice și groove-ul greu au ajutat la împingerea sunetului psihedelic al anilor 1960 în inovațiile hard rock din anii 1970.
4
Liliacul din iad (1977)
Friptură: „Liliacul din iad”
În timp ce alți muzicieni au îmbrățișat stilul rapid, dinamic și simplu al punk rock-ului în 1977, Meat Loaf a ales în schimb să-și deschidă albumul de debut cu una dintre cele mai ambițioase și dramatice compoziții rock and roll pe care le-a văzut vreodată. Cântec cu același nume Bat din iad Albumul avea o calitate operică și o energie teatrală, spre deosebire de orice alt disc lansat la acea vreme. Cu o durată de 9 minute și 52 de secunde, „Bat Out of Hell” combină imaginile cinematografice și Performanța vocală intensă a lui Meat Loaf i-a transportat pe ascultători într-o lume care îmbină genurile a rebeliunii romantice..
Deși s-ar putea argumenta că a doua piesă „You Take The Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night)” concurează cu piesa de titlu, acest opener a fost atât de puternic și de energic încât a marcat vârful înregistrării. Ca un album care a evoluat dintr-un musical Neverland. Neverlandversiune rock futuristă Peter Pan, Bat din iad cel mai bine ascultat ca o piesă completă, fiecare melodie completându-le pe celelalte. Începând o carieră ilustre, „Bat Out of Hell” a fost piesa perfectă pentru a le prezenta ascultătorilor Meat Loaf.
3
Lasă-l să sângereze (1969)
The Rolling Stones: „Dă-mi adăpost”
Din „Simpatie pentru diavol” Banchetul cerșetorului pe „Rocks Off” activat Exil pe strada principală.The Rolling Stones are multe albume incredibile de deschidere. Cu toate acestea, cel mai evident exemplu de piesă de deschidere care stătea cu cap și umeri deasupra restului discului a fost „Gimme Shelter” de pe Lasă-l să sângereze. Această piesă iconică a dat imediat tonul albumului, a devenit una dintre cele mai mari cântece ale Rolling Stones și și-a câștigat un loc incontestabil în cultura pop mainstream datorită apariției sale frecvente pe coloanele sonore de film și televiziune.
Lasă-l să sângereze a început și s-a încheiat cu două melodii incredibile când The Rolling Stones și-au încheiat setul cu „You Can’t Always Get What You Want”. Cu toate acestea, „Gimme Shelter” a fost o capodoperă a atmosferei evocatoare și a lirismului întunecat, încapsulând perfect atractia trupei la sfârșitul anilor 1960. Vocea lui Mick Jagger a fost în cea mai bună formă, iar puterea livrării sale a fost sporită de vocalele iconice ale cântărețului gospel Merry Clayton, care au dat piesei o energie feminină care a făcut melodia să iasă în evidență în catalogul lor.
2
David Bowie (1969)
David Bowie: „Space Oddity”
David Bowie este amintit pentru capacitatea sa de a se reinventa constant, deoarece a excelat în orice, de la folk psihedelic la glam rock la tobe și bass. Cu toate acestea, lui Bowie i-a luat ceva timp să-și găsească cu adevărat vocea și, după o încercare eșuată de a înregistra primul său album în 1967, a revenit din nou cu un nou sunet în 1969 și cu single-ul de succes „Space Oddity”. Acest cântec de poveste convingător a exprimat sentimentul de alienare al lui Bowie în acea etapă a carierei sale și a primit o publicitate pe scară largă datorită lansării sale odată cu aterizarea pe Lună.
„Space Oddity” este prima melodie de pe cel de-al doilea album cu același nume al lui Bowie.și în timp ce alte piese precum „Cygnet Committee” și „Memory of a Free Festival” sunt favoritele pasionaților Bowie, nicio melodie de pe acest album nu a avut aceeași atracție de durată ca numărul său de deschidere. succes incredibil și chiar amenințat că-l distruge, era cea mai bună oră David Bowie acest lucru i-a ajutat să pună bazele succesului său în carieră ulterioară cu alte melodii legate de spațiu, cum ar fi „Starman” și „Life on Mars”.
1
Cine urmează (1971)
The Who: „Baba O’Reilly”
Devenind deja unul dintre cele mai mari nume ale muzicii anilor 1960, The Who a continuat succesul uluitor al triumfului lor de opera rock. Tommycu albumul lor cel mai relevant și convingător din punct de vedere comercial de până acum, Cine urmează în 1971. Deși acest record a început ca un altul dificil și albumul concept ambițios al compozitorului principal Pete Townshend, intitulat Lifehouseacest proiect a fost abandonat, iar înregistrarea rezultată a fost o colecție a unora dintre cele mai grozave melodii individuale pe care le-a scris vreodată.
Cine urmează a început cu un explozie, deoarece sunetul „Baba O'Riley” cu sintetizare a simțit începutul unei noi ere pentru trupă, iar puterea vocii lui Roger Daltrey i-a lăsat pe ascultători să tremure. la revedere Cine urmează au existat multe piese mai magistrale, cum ar fi epopeea „Won’t Get Fooled Again”, niciuna dintre ele nu a obținut aceeași energie de neoprit și atractie imnică ca „Baba O'Riley”. Deoarece cântecul a fost proeminent în coloanele sonore de televiziune, cum ar fi melodia tema pentru CSI: New York„Baba O’Reilly” este recunoscut instantaneu chiar și pentru cei cu puțin interes pentru muzica rock.
Surse: Rolling Stone, Cele mai bune 500 de albume ale tuturor timpurilor de la Rolling Stone