Pubblicato all’inizio di questa estate, Ultraman: L’Ascesa è l’ultimo di una lunga serie di opinioni su Ultrauomo franchising. Iniziamo innanzitutto dalla serie UltraQ Dal 1966, l’IP ha prodotto numerosi spettacoli, film, fumetti e altri adattamenti. L’ultimo film di Netflix introduce un nuovo eroe Ultrauomo Universe, Ken Sato, che ha assunto la posizione di eroe Ultraman da suo padre.
Ultraman: L’Ascesa ha incorporato molte idee uniche nel nuovo capitolo, da una trama familiare in cui Ken alleva un kaiju di nome Amy a una colonna sonora eclettica. La colonna sonora del film, scritta dal compositore Scott Stafford, presenta di tutto, dalla musicalità a 8 bit alla batteria Taiko. In precedenza, Stafford ha lavorato a progetti come la miniserie. Ollie perduto e programmi TV Camion della spazzatura.
ScreenRant ha intervistato Scott Stafford per discutere del processo di registrazione, delle maggiori sfide nel realizzare un film d’animazione e di come ha utilizzato le tavolozze musicali per creare Ultraman: L’AscesaI momenti familiari hanno più impatto.
Ultraman: Ascension è stata “una delle cose più difficili” che Stafford “abbia mai fatto come compositore”
“È abbastanza facile aggiungere cose, ma finisce per essere un enorme pasticcio.”
Screen Rant: Puoi parlarci delle sfide creative che hai dovuto affrontare nello scrivere musica così eclettica? Ultraman: L’Ascesa e bilanciare le grandi scene di battaglia con i momenti più intimi del film?
Scot Stafford: Fondamentalmente hai semplicemente riassunto l’intero punteggio. È stata una sfida. In realtà è divertente aggiungere molti, molti elementi. Mi piace l’idea che Shannon [Tindle] volevano console di gioco a 8 bit, i loro suoni sono comunque in cartellone. Mi piace il fatto che volesse un’orchestra. Adoro il fatto che volesse Tim Henson. Adoro il fatto che gli sia piaciuto il giocattolo musicale elettronico giapponese Pocket Miku. Adoro tutte queste idee e ne ho aggiunte tre volte altrettante. È abbastanza facile aggiungere cose, ma ti ritroverai con un pasticcio enorme.
Per me, ciò che era così importante era perché, alla fine, dietro tutta l’azione, dietro l’incredibile animazione, lo stile visivo e la grafica – voglio dire, l’arte in questo non ha eguali, a mio modesto parere – l’immagine dietro tutto ciò che c’è sotto è un una storia meravigliosamente intima sulla famiglia, su padri, figlie, figli, madri, sul non perderla mai di vista e sulla capacità di avere una varietà di influenze musicali così eclettica e impossibile.
Ma non ho nemmeno menzionato le percussioni giapponesi e le scale giapponesi che ho tirato su qualcosa. Avevo bisogno di qualcosa che potesse mettere insieme tutto, quindi ho pensato: “Okay, farò di uno strumento solista il cuore dell’intera partitura, metterò tutto lì. Tutto riguarderà la famiglia. su questa scena iniziale.” Questa è la prima scena dopo il prologo. Questa è la prima scena del film in cui si vedono una madre, un padre e un figlio che preparano ramen e guardano il baseball insieme. Questa è l’unica volta che li vediamo insieme ed è per questo che ho voluto che l’arpa fosse un caloroso abbraccio da parte delle persone, così che una volta portata via sia devastante.
In realtà voglio parlare di questo perché cosa hai trovato più stimolante nello scrivere musica che passa senza soluzione di continuità da un suono orchestrale epico a una performance solista più intima in un centesimo?
Scot Stafford: Sì, è proprio la scena di cui stavo parlando, la prima scena. È così semplice: voglio che sia solo un classico. Volevo solo sentirmi come l’inizio di un grande film classico senza tempo. Fanno qualcosa di così caldo e accogliente e tu lo adori, e poi all’improvviso appare Gigantron. Questa è la prima volta che vedi l’immagine proiettata del dottor Anda, è più giovane ma sembra spaventato e devo adattarmi molto velocemente.
La musica mi ricorderebbe molto facilmente che Gigantron stava per uccidere sua moglie e sua figlia, e poi, una volta fatto, sarei dovuto tornare in famiglia per vivere quel momento emozionante in cui il padre parte per andare al lavoro. È stato davvero difficile. In effetti, questa è stata probabilmente la più difficile, anche se ha coinvolto pochissimi strumenti, il passaggio dall’abbraccio all’orrore e al “Ciao papà” in lacrime non ha richiesto molto tempo, è stata una delle cose più difficili che abbia mai fatto come compositore.
Stafford sapeva che non avrebbe “ottenuto nulla di autentico” da Ultraman: Rising Alone
“Si tratta di lavorare in squadra e assumere persone che sono migliori di te in certe cose.”
Una delle cose più importanti in Ultrauomo nel film, Ken trova l’equilibrio. Come ti avvicini all’integrazione di elementi di autenticità culturale nella colonna sonora mantenendo l’equilibrio e la profondità emotiva per tutto il film?
Scot Stafford: Ottima domanda. Penso che la cosa più intelligente, se ho fatto qualcosa di intelligente, è stata quella di coinvolgere persone davvero fantastiche che non si limitassero a suonare strumenti e a leggere ogni nota che ho dato loro. Ovviamente l’ho fatto. Ma ho anche fornito, ad esempio, un lavoro con Kaoru Watanabe, questo meraviglioso flautista e percussionista giapponese che ha scritto la musica per Isle of Dogs. Gli ho chiesto di scegliere un ensemble nello studio di Tokyo dove abbiamo registrato i musicisti, ho chiesto loro di decidere quali strumenti portare con sé, e ho anche fatto trascorrere quasi la metà della sessione di registrazione – cosa che non accade mai – a improvvisare.
Abbiamo tutte queste performance incredibili e non otterrò nulla di autentico. Come compositore americano bianco, per quanto ami la musica giapponese e l’abbia studiata per gran parte della mia vita, non sarà affatto la stessa cosa. Quindi, invece di fingere di essere sincero, dico semplicemente: “Ragazzi, fate le vostre cose e vedrò se riesco a trovare il modo di realizzarlo”. Quindi non fai tutto da solo. Significa lavorare in squadra e assumere persone che sono migliori di te in certe cose e lasciare che si esprimano.
Con una varietà di strumenti tra cui percussioni Taiko, suoni vintage a 8 bit e arpa solista, qual è stato il tuo processo per creare questa narrativa musicale coesa?
Scot Stafford: Molto si basava sulla creazione di una famiglia di temi. Non ho mai sentito parlare di una cosa del genere. Sono sicuro di non essere il primo, ma l’idea è questa: e se potessi creare tutti i miei argomenti attorno a un tema centrale e averli tutti direttamente correlati tra loro, in modo che ciò che fai sei tu” noi noi? limita la tavolozza melodica in modo che tutto sembri essere nelle tue tasche. Condividono lo stesso DNA, prendi tutte queste emozioni diverse, queste scene diverse, queste emozioni che si accendono in un batter d’occhio, questi suoni diversi che metti insieme.
Avrai una tavolozza melodica molto limitata, quindi questo tema avrà lo stesso tema del tema familiare, ma con una nota diversa, e ci saranno molte altre connessioni tra i temi. Dico solo: “Riprendiamo tutto e colleghiamo tutto in modo da non dimenticare mai il fatto che ogni personaggio principale, un personaggio importante in un film, è definito principalmente dal suo ruolo nella famiglia”.
Hai detto che ci sono molti dettagli audio scritti nella sceneggiatura. In che modo questo ha influenzato il tuo processo di scrittura e i primi pezzi ti hanno offerto un vantaggio o una sfida unica?
Scot Stafford: Beh, è grandioso che la sceneggiatura contenga del suono. Perché, in primo luogo, interrompe il dialogo. Amiamo il nostro dialogo, ma ci piace anche quando si interrompe. Perché quando pensi a quei grandi film cinematografici, scommetto che i tuoi 10 momenti cinematografici preferiti sono sicuro che più della metà di essi non contengono dialoghi. Quando pensi a queste scene davvero grandi ed emozionanti, lasci letteralmente che tutti gli elementi brillino, che si tratti della cinematografia, del sound design o della musica.
Quindi, con queste pause, con queste pause, con questa scena straordinaria – siamo nel mezzo della più grande scena di combattimento, e all’improvviso si passa ai combattimenti più banali tra una madre, sua madre e suo figlio. troppo rumoroso da dietro ed è questo tipo di interessante scena di ingorgo sotto la pioggia che ci dà l’opportunità di fare del nostro meglio. Se hai il silenzio con cui lavorare e se hai qualcuno che è semplicemente sensibile al suono e alla musica come Shannon. Senza un regista, senza una storia e senza una sceneggiatura, possiamo fare solo un certo limite, il che ci dà il permesso e la flessibilità per farlo, ed è per questo che Randy [Thom] e sono stato molto fortunato che Shannon si sia rivelata una regista del genere.
Maggiori informazioni su Ultraman: The Rise (2024)
Con Tokyo sotto assedio a causa dei crescenti attacchi dei mostri, la stella del baseball KEN SATO torna con riluttanza a casa per assumere il ruolo di Ultraman. Ma il supereroe titanico incontra il suo pari quando adotta un baby kaiju sputafuoco alto 35 piedi. Sato deve superare il suo ego per bilanciare lavoro e genitorialità, proteggendo al tempo stesso sua figlia dalle forze che cercano di usarla per i loro piani oscuri. In collaborazione con Netflix, Tsuburaya Productions e Industrial Light & Magic, ULTRAMAN: RISING è scritto da Shannon Tindle e Mark Hames, diretto da Shannon Tindle e co-diretto da John Aoshima.
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Fonte: Screen Rant Plus