Sorti plus tôt cet été, Ultraman : l’ascension est le dernier d’une longue lignée de points de vue sur Ultraman franchise. Commencez par la série Ultra-Q Depuis 1966, l’IP a produit de nombreux spectacles, films, bandes dessinées et autres adaptations. Le nouveau film de Netflix présente un nouveau héros Ultraman Univers, Ken Sato, qui a succédé à son père au poste de héros d’Ultraman.
Ultraman : l’ascension a incorporé de nombreuses idées uniques dans le nouvel opus, d’une histoire familiale dans laquelle Ken élève un kaiju nommé Amy à une bande-son éclectique. La musique du film, écrite par le compositeur Scott Stafford, présente tout, de la musicalité 8 bits aux tambours Taiko. Auparavant, Stafford a travaillé sur des projets tels que la mini-série. Ollie perdu et émissions de télévision Camion poubelle.
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ÉcranRant a interviewé Scott Stafford pour discuter du processus d’enregistrement, des plus grands défis liés à la réalisation d’un film d’animation et de la façon dont il a utilisé les palettes musicales pour créer Ultraman : l’ascensionLes moments en famille sont plus marquants.
Ultraman : Ascension a été « l’une des choses les plus difficiles » que Stafford « ait jamais faites en tant que compositeur »
«C’est assez facile d’ajouter des éléments, mais cela finit par être un véritable désastre.»
Screen Rant : Pouvez-vous parler des défis créatifs que vous avez rencontrés en écrivant une musique aussi éclectique pour Ultraman : l’ascension et équilibrer les grandes scènes de bataille avec les moments plus intimes du film ?
Scot Stafford : En gros, vous venez de résumer toute la partition. C’était un défi. C’est en fait amusant d’ajouter de très nombreux éléments. J’aime l’idée que Shannon [Tindle] Je voulais des consoles de jeux 8 bits, leurs sons sont de toute façon dans la facture. J’aime le fait qu’il voulait un orchestre. J’aime le fait qu’il voulait Tim Henson. J’aime le fait qu’il ait aimé le jouet musical électronique japonais Pocket Miku. J’adore toutes ces idées et j’en ai moi-même ajouté trois fois plus. Il est assez facile d’ajouter des éléments, mais vous vous retrouverez avec un énorme gâchis.
Pour moi, ce qui était si important, c’est qu’en fin de compte, derrière toute l’action, derrière l’incroyable animation, le style visuel et les graphismes – je veux dire, l’art est tout simplement sans précédent, à mon humble avis – le visuel derrière tout cela en dessous est un une histoire merveilleusement intime sur la famille, sur les pères, les filles, les fils, les mères, sur le fait de ne jamais perdre cela de vue et de pouvoir avoir une variété aussi éclectique et impossible d’influences musicales.
Mais je n’ai même pas mentionné les percussions japonaises et les gammes japonaises pour lesquelles j’ai sorti quelque chose. J’avais besoin de quelque chose qui puisse tout rassembler, alors je me suis dit : « D’accord, je vais faire d’un instrument solo le cœur de toute la partition, et tout mettre là-dedans. Tout sera question de famille. à propos de cette première scène. C’est la première scène après le prologue. C’est la première scène du film où l’on voit une mère, un père et son fils préparer des ramen et regarder du baseball ensemble. C’est la seule fois où nous les voyons ensemble et c’est pourquoi je voulais que la harpe soit un câlin chaleureux de la part des gens, de sorte qu’une fois qu’on l’enlève, ce soit dévastateur.
En fait, je veux en parler, car qu’avez-vous trouvé le plus difficile dans l’écriture d’une musique qui passe en douceur d’un son orchestral épique à une performance solo plus intime en un rien de temps ?
Scot Stafford : Ouais, c’est la scène dont je viens de parler, la première scène. C’est si simple – je veux que ce soit juste un classique. Je voulais juste avoir l’impression d’être le début d’un grand film classique intemporel. Ils font quelque chose de si chaleureux et confortable et vous adorez ça, et puis tout à coup, Gigantron apparaît. C’est la première fois qu’on voit l’image projetée du Dr Anda, il est plus jeune mais il a l’air effrayé et je dois m’adapter très vite.
La musique me rappellerait très facilement que Gigantron allait tuer sa femme et sa fille, et puis une fois cela fait, je devrais retourner dans la famille pour vivre ce moment d’émotion où le père part travailler. C’était vraiment dur. En fait, c’était probablement le plus difficile, même si cela impliquait très peu d’outils, la transition des câlins à l’horreur et aux larmes «Bye Daddy» n’a pas pris très longtemps, c’était l’une des choses les plus difficiles que j’ai jamais faites. en tant que compositeur.
Stafford savait qu’il n’obtiendrait rien d’authentique d’Ultraman : Rising Alone
«Il s’agit de travailler en équipe et d’embaucher des personnes qui sont meilleures que vous dans certaines choses.»
L’une des choses les plus importantes dans Ultraman dans le film, Ken trouve l’équilibre. Comment abordez-vous l’intégration d’éléments d’authenticité culturelle dans la musique tout en maintenant l’équilibre et la profondeur émotionnelle tout au long du film ?
Scot Stafford : Excellente question. Je pense que la chose la plus intelligente – si je faisais quelque chose d’intelligent – était de trouver des gens vraiment formidables qui ne se contentaient pas de jouer d’un instrument et qui lisaient chaque note que je leur donnais. Bien sûr que je l’ai fait. Mais j’ai aussi donné, par exemple, du travail avec Kaoru Watanabe, ce merveilleux flûtiste et percussionniste japonais qui a écrit la musique d’Isle of Dogs. Je lui ai demandé de choisir un ensemble dans le studio de Tokyo où nous enregistrions les musiciens, je leur ai demandé de décider quels instruments emporter avec eux et je leur ai aussi fait passer près de la moitié de la séance d’enregistrement – ce qui n’arrive jamais – à improviser.
Nous avons toutes ces performances incroyables et je ne vais tout simplement pas obtenir quelque chose d’authentique. En tant que compositeur américain blanc, même si j’aime la musique japonaise et que je l’ai étudiée la majeure partie de ma vie, ce ne sera pas du tout pareil. Alors au lieu de faire semblant d’être sincère, je dis simplement : « Les gars, faites votre truc et je verrai si je peux trouver des moyens d’y arriver. » Vous ne faites donc pas tout vous-même. C’est travailler en équipe et embaucher des personnes qui sont meilleures que vous dans certaines choses et les laisser s’exprimer.
Avec une variété d’instruments, dont des percussions Taiko, des sons vintage 8 bits et une harpe solo, quel a été votre processus pour créer ce récit musical cohérent ?
Scot Stafford : Une grande partie était basée sur la création d’une famille de thèmes. Je n’ai jamais entendu parler de cela. Je suis sûr que je ne suis pas le premier, mais l’idée est la suivante : et si je pouvais créer tous mes sujets autour d’un thème central, et les mettre en corrélation directe les uns avec les autres, de sorte que ce que vous créez, c’est vous » nous limitez la palette mélodique pour que tout semble être dans votre poche. Ils partagent le même ADN, vous prenez toutes ces différentes émotions, ces différentes scènes, ces émotions qui s’allument en un clin d’œil, ces différents sons que vous assemblez.
Vous disposerez d’une palette mélodique très limitée, ce thème aura donc le même thème que le thème familial, mais avec une note différente, et il y aura de nombreuses autres connexions entre les thèmes. Je dis juste : «Reprenons tout en arrière et tout est lié pour ne jamais oublier que chaque personnage principal, un personnage important dans un film, se définit avant tout par son rôle dans la famille.»
Vous avez mentionné qu’il y avait beaucoup de détails audio écrits dans le script. Comment cela a-t-il influencé votre processus d’écriture, et les premières pièces vous ont-elles apporté un avantage ou un défi unique ?
Scot Stafford : Eh bien, c’est génial que le scénario intègre du son. Parce que, premièrement, cela arrête le dialogue. Nous aimons notre dialogue, mais nous aimons aussi quand il s’arrête. Parce que quand vous pensez à ces grands films cinématographiques – je parie que le top 10 de vos 10 moments cinématographiques préférés, je suis sûr que plus de la moitié d’entre eux ne contiennent pas de dialogue. Lorsque vous pensez à ces scènes émotionnelles très importantes et très importantes, vous laissez littéralement tous les éléments briller, qu’il s’agisse de la cinématographie, de la conception sonore ou de la musique.
Donc, avec ces pauses, avec ces pauses, avec cette scène incroyable, nous sommes au milieu de la plus grande scène de combat, et tout d’un coup, vous passez aux combats les plus banals entre une mère, sa mère et son enfant. trop bruyant de l’arrière et c’est ce genre de scène d’embouteillage intéressante sous la pluie qui nous donne l’occasion de faire de notre mieux. Si vous avez le silence avec qui travailler et si vous avez quelqu’un qui est juste sensible au son et à la musique comme Shannon. Sans réalisateur, sans histoire et sans scénario, nous ne pouvons pas faire grand-chose, ce qui nous donne la permission et la flexibilité de le faire, et c’est pourquoi Randy [Thom] et j’ai eu beaucoup de chance que Shannon se révèle être une telle réalisatrice.
En savoir plus sur Ultraman : L’Ascension (2024)
Alors que Tokyo est assiégée par des attaques de monstres croissantes, la star du baseball KEN SATO rentre chez elle à contrecœur pour assumer le rôle d’Ultraman. Mais le super-héros titanesque rencontre son égal lorsqu’il adopte un bébé kaiju de 35 pieds de haut et cracheur de feu. Sato doit s’élever au-dessus de son ego pour concilier travail et parentalité tout en protégeant son enfant des forces cherchant à l’utiliser pour leurs sombres projets. En collaboration avec Netflix, Tsuburaya Productions et Industrial Light & Magic, ULTRAMAN : RISING est écrit par Shannon Tindle et Mark Hames, réalisé par Shannon Tindle et co-réalisé par John Aoshima.
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Source : Screen Rant Plus