Diretor do Seven Veils fala sobre reunião com Amanda Seyfried e colocação de ópera na tela

Átomo Egoyan Sete Véus é uma experiência teatral única esta noite, misturando as formas de arte do cinema e da ópera, ao mesmo tempo que confunde os limites da realidade e da ficção. O filme foi feito em colaboração com a Canadian Opera Company – onde Egoyan montou a ópera pela primeira vez Saloméagora no centro da história do filme. Sete Véus está programado para ter uma apresentação “avant-garde” no Festival Internacional de Cinema de Toronto em 8 de setembro, antes de sua estreia mundial oficial em 10 de setembro.

Egyan escreveu o roteiro e dirigiu o filme, que também incorpora habilmente partes de sua última remontagem de Salomé usando cantores reais da Canadian Opera Company. As coisas começam a ficar metateatrais rapidamente, quando Amanda Seyfried interpreta Jeanine, uma diretora de teatro que está no processo de remontar a infame versão de seu mentor sobre a mesma peça. A produção original não apenas guarda memórias dolorosas para ela, mas também incorpora elementos de seu trauma de infância em seu DNA, que abrem velhas feridas enquanto ela trabalha para trazê-lo à vida no palco.

Discurso de tela conversou com Egoyan sobre a inspiração por trás do relato ficcional de Saloméestá remontando em Sete Véusseus pensamentos sobre trabalhar com Amanda Seyfried novamente quase 15 anos depois Chloée os aspectos técnicos de encenar uma ópera na tela.

Atom Egoyan fala sobre sete véus

Screen Rant: Eu realmente gostei Sete Véus. Achei que era uma forma fascinante de traçar um paralelo entre a história de Jeanine e a Salomé. Eu sei que você tem experiência pessoal em encenar Salomé como uma ópera, e isso realmente apareceu na tela, mas o que o inspirou a criar esta versão ficcional de um diretor de teatro trabalhando nela?

Atom Egoyan: Foi uma situação muito incomum. Apresentei isto pela primeira vez como uma ópera há mais de 30 anos, em 1996. Já fiz muitas óperas, mas esta é a que sempre volta. É um show de bastante sucesso. Teve sete remontagens em vários lugares.

E quando estava programada para ser remontada este ano, no início deste ano, senti que era uma interpretação tão provocativa da ópera que não tinha certeza de onde ela ficaria hoje. Foi bastante radical quando foi apresentado em 1996, mas muitas das imagens precisavam de algum tipo de contextualização porque vivemos numa época diferente. Há muitos avisos de gatilho nesta produção e não pensávamos nisso há mais de 30 anos. Então, eu tinha dúvidas sobre o que significaria remontar isso.

Então comecei a perceber que não poderia mudar nada na ópera por causa dos horários e orçamentos. Comecei a pensar nessa personagem que poderia, e Jeanine começou a ficar realmente clara em minha mente. É aqui que o trabalho se torna superpessoal porque há histórias que eu estava extraindo daquela produção original de 1996, principalmente o que faço com a Dança dos Sete Véus e toda essa sequência de flashback. É extraído de uma narrativa que ouvi de alguém que era muito próximo de mim. Comecei a imaginar Jeanine como aquela personagem, e então imaginei que não estava mais por perto e coloquei em meu testamento que se algum dia fosse remontado, deveria ser essa pessoa.

E então foi a partir daí. O personagem de Charles, o diretor original, não sou eu de forma alguma. Eu acho que ele é um personagem muito diferente e as circunstâncias. Acho que ele é um personagem muito mais problemático do que eu. Certamente não tive esse relacionamento com um jovem que trabalhava na produção, mas ele teria; aquele personagem e aquela geração. Todos nós sabemos o tipo de pessoa que ele deve ter sido. Isso se tornou muito libertador quando ele se desligou de mim, e quando imaginei a Jeanine desligada da personagem que eu conhecia, mas que era muito rica em termos de material.

O que se tornou super convincente foi a ideia de uma personagem que tem plena consciência de seus traumas, como o trauma de infância, as coisas que aconteceram com ela durante sua infância. Não era o clichê que tipo de bolhas surgiam inesperadamente. Na verdade, ela entra nisso sabendo muito bem qual é o material, mas o que ela não está antecipando é a maneira como ela ficará traumatizada novamente por sua capacidade de remontar efetivamente essa produção exclusiva, que contou sua história e que sempre poderá diminuir e banalizar sua própria experiência por causa de suas próprias inadequações ou por causa das falhas no elenco que lhe são impostas ou de uma série de questões que surgem durante qualquer produção teatral que ela não esperava.

Isso meio que a coloca nesse lugar emocional muito elevado e combinado com o que está acontecendo com sua família e o que está acontecendo com vários relacionamentos ao seu redor, ela está negociando essa linha realmente delicada que começa a afetar sua sanidade, eu diria.

Foi ótimo ver você trabalhando com Amanda Seyfried novamente depois Chloé. O quanto você diria que sua dinâmica de trabalho evoluiu desde então, e como foi colocá-la neste espaço de personagem muito diferente, passando por traumas e perda de sanidade?

Atom Egoyan: Chloe é em si um remake, e foi um projeto que eu estava muito animado para dirigir, mas não era meu roteiro. Eu não tive as mesmas liberdades que tenho quando estou fazendo meu próprio roteiro e minha própria produção. Mas eu certamente tive acesso no momento em que Amanda entrou no teste para Chloe. Esta é uma jovem atriz notável que estava tão disponível emocionalmente.

Eu diria que a única semelhança em termos dos personagens é que há algo que ambos os personagens sentem que merecem ter, que é negado a eles. Vê-la negociar isso em Chloe era realmente tão verdadeiro. Em cada momento houve muitas fórmulas e clichês naquele filme, mas ela tornou tudo muito real e verdadeiro, e tivemos uma ótima experiência fazendo isso. E então prometemos que encontraríamos outra coisa. Mas demorou muito, sério, já se passaram 15 anos, mas comecei a pensar na Jeanine. É como se ela pensasse: “Ok, este é o projeto que podemos fazer juntos novamente”.

A maneira como seu trauma de infância literalmente dançou em torno do que eu achei realmente fascinante. O que fez você decidir abordar essas cenas com o pai pelas lentes da câmera dele e por meio dessas cenas de dança que são replicadas?

Atom Egoyan: Sim, mas talvez também a lente de que há momentos em que ela está segurando a câmera também, certo? Onde ela está filmando seu pai. Acho que ela também está envolvida nisso, mesmo como diretora. Acho que é ambíguo o que essas cenas levaram. Quando ela está falando sobre algo do passado, não sendo o que foi, às vezes não temos certeza se ela está falando sobre o que aconteceu em sua infância ou sobre o que aconteceu na reconstrução de sua infância, conforme visto através da interpretação de Charles, o original. diretor da ópera. Ela está vendo sua infância recontada, mas é claramente mais extrema e traumatizada do que ela poderia ter se sentido diferente há cerca de 15 ou 20 anos, quando viveu isso como uma jovem adulta, do que agora.

É realmente em camadas. Há muita coisa acontecendo e ela não estava preparada para isso. Acho que ela pensou que iria fazer essa remontagem por um motivo e, uma vez lá, ela entende que há todo um outro conjunto de questões que ela terá que negociar. Mas o que torna tudo muito incomum é que nada está sendo realmente revelado a ela em termos da natureza específica de sua história passada. Tudo isso está disponível para ela, ao contrário do que vemos em muitas coisas.

Nada é esquecido. Qualquer coisa que seja realmente traumatizante está sendo gerada naquele momento pela interseção de sua memória real com a reconstrução dela e as vulnerabilidades e as fragilidades desse processo e as inadequações desse processo para realmente falar desse sentimento se não for executado perfeitamente. Então ela está tentando executar esses momentos perfeitamente, que pareciam, em sua própria memória, ter sido feitos corretamente quando Charles os executou ou fez. É tão complicado, certo?

Se esses atores ou cantores não estão entendendo o que ela está dizendo, ou se há algo na construção desse conceito que não é convincente, ela está uma bagunça. O trauma com o qual ela está lidando tem a ver com o trauma que está sendo gerado através do seu reflexo de algo que ela viu quando criança, quando jovem adulta, e que agora está vendo na meia-idade.

Em uma nota um pouco diferente, eu também adoro a personagem mestre dos adereços, Clea, e como temos sua história entrelaçada. Ela também está fazendo algumas de suas próprias narrações e interpretações da peça, o que às vezes entra em conflito com o que Jeanine pensa. Você pode falar sobre trabalhar com Rebecca Liddiard para esse papel?

Átomo Egoyan: Sim. Rebecca é uma atriz que eu também estou de olho há algum tempo porque ela é ótima. Escrevi essa parte para ela porque há algo tão disponível de uma forma diferente da Amanda com sua energia. Também adoro o fato de ela ter uma metodologia própria como artista. Ela tem essa ideia de como vai fazer o que precisa, mas também há imposições impostas a ela. Um deles, principalmente de Jeanine, que lhe pediu que reconsiderasse a forma como está construindo a cabeça.

Mas também acho que, como ela diz no início, a história de Salomé é basicamente uma história de amor muito estranha. Acho que todo esse filme é uma série de histórias de amor muito estranhas. Acho que sabemos as coisas que as pessoas fazem. Fazem por amor, mas não estão entendendo que às vezes o que fazem por amor não será entendido dessa forma, ou que não é assim que aquela pessoa quer ser amada.

Acho que Clea passa por um exemplo muito extremo disso em termos de sua jornada e do que ela está tentando extrair da Ópera, o que ela está fazendo pela pessoa que ama. Mas a pessoa que ela ama fica horrorizada com essa ação e acha-a realmente incompreensível sem entrar em detalhes. Ela é uma personagem secundária extremamente importante.

Adoro ver o espetáculo sendo montado, fazendo um paralelo com o que está acontecendo na vida real. Mas também me faz pensar, já que você disse originalmente que Jeanine era uma personagem capaz de fazer mudanças que você não poderia. Quão consciente você está das mudanças que está fazendo? Quanto disso você teria feito ou que evolui quando você está filmando porque é isso que Jeanine iria querer?

Atom Egoyan: Desde 1996, gradualmente introduzi coisas diferentes. A produção a que ela se refere e que viu no filme era muito parecida com a produção original. Muitas das coisas que você está vendo agora que ela está apresentando são coisas que eu apresentei ao longo dos anos. Porque não poderíamos ter incorporado as mudanças dela na produção que já estava no palco.

A coisa da mãe foi uma coisa que fiz na remontada, ou a coisa das tangerinas. Todas as coisas que ela parece estar inventando são coisas que foram introduzidas na ópera. Agora eles parecem estar sendo gerados no local, mas são incorporados à produção. Tinham que ser porque simplesmente não tínhamos tempo de voltar à ópera. Você tem tão pouco tempo para fazer uma remontagem. É louco.

Dito isso, uma vez no palco e os atores do filme chegam à cidade, você tem todo o tempo para reimaginar o que acontece na sala de ensaio. Antes que os cantores saiam à noite como abóboras para se transformarem em verdadeiros cantores de ópera, podemos fingir que o ensaio teria sido assim. É engenharia reversa.

Sobre Sete Véus

Em Sete Véus, Amanda Seyfried interpreta Jeanine, uma diretora de teatro encarregada de remontar a ópera Salomé. Embora ela esteja preparada para homenagear o trabalho mais famoso de seu ex-mentor, lembranças perturbadoras de sua própria infância logo afetarão sua capacidade de se concentrar na produção atual.

Sete Véus terá sua estreia mundial no TIFF em 10 de setembro.

Fonte: Tela Rant Plus