Anfang des Sommers veröffentlicht, Ultraman: Der Aufstieg ist die neueste in einer langen Reihe von Ansichten über Ultraman Franchise. Beginnen Sie zunächst mit der Serie Ultra Q Seit 1966 hat das IP zahlreiche Shows, Filme, Comics und andere Adaptionen produziert. Der neueste Film von Netflix stellt einen neuen Helden vor Ultraman Universum, Ken Sato, der die Position des Ultraman-Helden von seinem Vater übernommen hat.
Ultraman: Der Aufstieg Viele einzigartige Ideen wurden in den neuen Teil integriert, von einer Familiengeschichte, in der Ken einen Kaiju namens Amy großzieht, bis hin zu einem vielseitigen Soundtrack. Die vom Komponisten Scott Stafford geschriebene Filmmusik bietet alles von 8-Bit-Musikalität bis hin zu Taiko-Trommeln. Zuvor arbeitete Stafford an Projekten wie der Miniserie. Ollie verloren und Fernsehsendungen Müllwagen.
ScreenRant interviewte Scott Stafford, um über den Aufnahmeprozess, die größten Herausforderungen beim Erstellen eines Animationsfilms und die Art und Weise zu sprechen, wie er bei der Erstellung musikalische Paletten einsetzte Ultraman: Der AufstiegFamilienmomente sind wirkungsvoller.
Ultraman: Der Aufstieg war „eines der schwierigsten Dinge“, die Stafford „jemals als Komponist getan hat“
„Es ist ziemlich einfach, Dinge hinzuzufügen, aber am Ende ist es ein riesiges Durcheinander.“
Screen Rant: Können Sie über die kreativen Herausforderungen sprechen, denen Sie beim Schreiben solch vielseitiger Musik gegenüberstanden? Ultraman: Der Aufstieg und die großen Kampfszenen mit den intimeren Momenten des Films in Einklang bringen?
Scot Stafford: Sie haben im Grunde nur die gesamte Partitur zusammengefasst. Es war eine Herausforderung. Es macht tatsächlich Spaß, viele, viele Elemente hinzuzufügen. Mir gefällt die Idee, dass Shannon [Tindle] Ich wollte 8-Bit-Spielekonsolen, deren Sounds sind sowieso in der Rechnung enthalten. Mir gefällt die Tatsache, dass er ein Orchester wollte. Ich liebe die Tatsache, dass er Tim Henson wollte. Ich finde es toll, dass ihm das japanische elektronische Musikspielzeug Pocket Miku gefiel. Ich liebe all diese Ideen und habe selbst dreimal so viele hinzugefügt. Es ist ziemlich einfach, Dinge hinzuzufügen, aber am Ende entsteht ein riesiges Durcheinander.
Was für mich so wichtig war, war, dass letztendlich hinter all der Action, hinter der unglaublichen Animation, dem visuellen Stil und der Grafik – ich meine, die Kunst darin ist meiner bescheidenen Meinung nach einfach beispiellos – das Visuelle dahinter steckt Wunderbar intime Geschichte über die Familie, über Väter, Töchter, Söhne, Mütter, darüber, das nie aus den Augen zu verlieren und eine so vielseitige, unmögliche Vielfalt an musikalischen Einflüssen haben zu können.
Aber ich habe nicht einmal die japanische Percussion und die japanischen Tonleitern erwähnt, da ich etwas herausgefunden habe. Ich brauchte etwas, das alles zusammenbringen konnte, also dachte ich: „Okay, ich mache ein Soloinstrument zum Herzstück der gesamten Partitur und setze alles dort ein.“ Alles wird sich um die Familie drehen. über diese frühe Szene. Dies ist die erste Szene nach dem Prolog. Dies ist die erste Szene des Films, in der man eine Mutter, einen Vater und einen Sohn sieht, wie sie Ramen zubereiten und gemeinsam Baseball schauen. Dies ist das einzige Mal, dass wir sie zusammen sehen, und deshalb wollte ich, dass die Harfe eine herzliche Umarmung für die Menschen darstellt, sodass sie verheerend wirkt, wenn man sie einmal wegnimmt.
Eigentlich möchte ich darüber sprechen, denn was war für Sie die größte Herausforderung daran, Musik zu schreiben, die nahtlos von einem epischen Orchesterklang zu einer intimeren Solo-Performance im Handumdrehen übergeht?
Scot Stafford: Ja, das ist die Szene, über die ich gerade gesprochen habe, die erste Szene. Es ist so einfach – ich möchte, dass es einfach ein Klassiker wird. Ich wollte einfach das Gefühl haben, der Anfang eines großartigen, zeitlosen Filmklassikers zu sein. Sie machen etwas so Warmes und Gemütliches und man liebt es einfach, und dann taucht plötzlich Gigantron auf. Dies ist das erste Mal, dass Sie das projizierte Bild von Dr. Anda sehen. Er ist jünger, sieht aber verängstigt aus und ich muss mich sehr schnell anpassen.
Die Musik würde mich sehr leicht daran erinnern, dass Gigantron seine Frau und seine Tochter töten würde, und wenn das geschehen wäre, müsste ich zur Familie zurückkehren, um diesen emotionalen Moment zu erleben, wenn der Vater zur Arbeit geht. Es war wirklich schwer. Tatsächlich war dies wahrscheinlich das Schwierigste, obwohl es nur sehr wenige Hilfsmittel erforderte, der Übergang von der Umarmung zum entsetzten und tränenreichen „Bye Daddy“ dauerte nicht lange, es war eines der schwierigsten Dinge, die ich je getan habe als Komponist.
Stafford wusste, dass er von „Ultraman: Rising Alone“ nichts „Authentisches“ bekommen würde
„Es geht darum, als Team zu arbeiten und Leute einzustellen, die in bestimmten Dingen besser sind als man.“
Eines der wichtigsten Dinge in Ultraman Im Film findet Ken das Gleichgewicht. Wie gehen Sie vor, Elemente kultureller Authentizität in die Partitur zu integrieren und gleichzeitig das Gleichgewicht und die emotionale Tiefe im gesamten Film aufrechtzuerhalten?
Scot Stafford: Tolle Frage. Ich denke, das Klügste – wenn ich überhaupt etwas Kluges getan habe – war, wirklich großartige Leute zu finden, die nicht nur Instrumente spielten und jede Note lasen, die ich ihnen gab. Natürlich habe ich das getan. Aber ich habe zum Beispiel auch mit Kaoru Watanabe zusammengearbeitet, diesem wunderbaren japanischen Flötisten und Percussionisten, der die Musik für Isle of Dogs geschrieben hat. Ich habe ihn gebeten, ein Ensemble im Studio in Tokio auszuwählen, in dem wir die Musiker aufgenommen haben, ich habe sie gebeten, zu entscheiden, welche Instrumente sie mitnehmen sollen, und ich habe sie außerdem fast die Hälfte der Aufnahmesitzung – was nie passiert – mit Improvisieren verbringen lassen.
Wir haben all diese unglaublichen Leistungen und ich werde einfach nichts Authentisches hinbekommen. Als weißer amerikanischer Komponist liebe ich japanische Musik und habe sie den größten Teil meines Lebens studiert, aber es wird überhaupt nicht dasselbe sein. Anstatt also so zu tun, als wäre ich aufrichtig, sage ich einfach: „Leute, macht euer Ding und ich werde sehen, ob ich Wege finde, es in die Tat umzusetzen.“ Man macht also nicht alles selbst. Es geht darum, als Team zu arbeiten und Leute einzustellen, die in bestimmten Dingen besser sind als Sie, und ihnen die Möglichkeit zu geben, sich auszudrücken.
Mit einer Vielzahl von Instrumenten, darunter Taiko-Percussion, Vintage-8-Bit-Sounds und Lead-Harfe, wie haben Sie diese zusammenhängende musikalische Erzählung geschaffen?
Scot Stafford: Vieles davon basierte auf der Erstellung einer Themenfamilie. Ich habe noch nie davon gehört. Ich bin sicher nicht der Erste, aber die Idee ist folgende: Was wäre, wenn ich alle meine Themen um ein zentrales Thema herum erstellen und sie alle direkt miteinander korrelieren könnte, sodass das, was Sie machen, „wir“ sind? Beschränken Sie die melodische Palette so, dass alles in Ihrer Tasche zu sein scheint. Sie teilen die gleiche DNA, man nimmt all diese unterschiedlichen Emotionen, diese unterschiedlichen Szenen, diese Emotionen, die sich im Handumdrehen entfalten, diese unterschiedlichen Geräusche, die man zusammenfügt.
Sie verfügen über eine sehr begrenzte melodische Palette, sodass dieses Thema dasselbe Thema wie das Familienthema hat, jedoch mit einer anderen Note, und es wird viele andere Verbindungen zwischen den Themen geben. Ich sage nur: „Lasst uns alles zurücknehmen und alles miteinander verbinden, damit man nie die Tatsache vergisst, dass jede Hauptfigur, eine wichtige Figur in einem Film, in erster Linie durch ihre Rolle in der Familie definiert wird.“
Sie haben erwähnt, dass im Drehbuch viele Audiodetails enthalten sind. Wie hat sich das auf Ihren Schreibprozess ausgewirkt und haben Ihnen die frühen Stücke einen einzigartigen Vorteil oder eine Herausforderung verschafft?
Scot Stafford: Nun, es ist großartig, dass der Ton in das Drehbuch integriert ist. Denn erstens stoppt es den Dialog. Wir lieben unseren Dialog, aber wir mögen es auch, wenn er aufhört. Denn wenn Sie an diese großartigen Kinofilme denken – ich wette, die Top 10 Ihrer Top 10 Lieblingsfilmmomente – dann bin ich mir sicher, dass mehr als die Hälfte davon keine Dialoge enthalten. Wenn man an diese wirklich großen, wichtigen emotionalen Szenen denkt, lässt man im wahrsten Sinne des Wortes alle Elemente strahlen, sei es die Kameraführung, das Sounddesign oder die Musik.
Also, mit diesen Pausen, mit diesen Pausen, mit dieser erstaunlichen Szene – wir sind mitten in der größten Kampfszene, und plötzlich kommen wir zu den banalsten Kämpfen zwischen einer Mutter, ihrer Mutter und ihrem Kind. Von hinten ist es zu laut und es ist diese interessante Stauszene im Regen, die uns die Möglichkeit gibt, unser Bestes zu geben. Wenn Sie die Stille haben, mit der Sie arbeiten können, und wenn Sie jemanden haben, der wie Shannon einfach ein Gespür für Geräusche und Musik hat. Ohne Regisseur, ohne Geschichte und ohne Drehbuch können wir nur so viel tun, was uns die Erlaubnis und Flexibilität gibt, es zu tun, und das ist der Grund, warum Randy [Thom] und ich hatte großes Glück, dass Shannon ein solcher Regisseur geworden ist.
Mehr über Ultraman: The Rise (2024)
Während Tokio zunehmend von Monsterangriffen belagert wird, kehrt Baseballstar KEN SATO widerwillig nach Hause zurück, um die Rolle des Ultraman zu übernehmen. Doch der Titanic-Superheld findet seinen Meister, als er ein 10 Meter großes, feuerspeiendes Kaiju-Baby adoptiert. Sato muss sich über ihr Ego erheben, um Arbeit und Elternschaft in Einklang zu bringen und gleichzeitig ihr Kind vor Mächten zu schützen, die es für ihre dunklen Pläne missbrauchen wollen. In Zusammenarbeit mit Netflix, Tsuburaya Productions und Industrial Light & Magic wurde ULTRAMAN: RISING von Shannon Tindle und Mark Hames geschrieben, Regie führte Shannon Tindle und Co-Regie führte John Aoshima.
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Quelle: Screen Rant Plus