Uma das técnicas mais brilhantes e ousadas utilizadas no cinema é a quebra da quarta parede. Tradicionalmente, a quarta parede representa uma barreira imaginária entre o universo ficcional na tela e o público – um segredo conhecido apenas por este último. A convenção tem raízes no teatro, muito antes do nascimento do cinema. Quebrar a quarta parede significa cruzar uma fronteira, permitindo que os personagens na tela cheguem ao público e se envolvam com ele.
Nestes raros momentos, os personagens reconhecem a presença do público e também a sua ficcionalidade. Ao desafiar essas convenções, os diretores concedem aos seus personagens uma consciência e uma agência únicas. Tais cenas são particularmente poderosas porque criam uma intimidade partilhada entre os protagonistas de duas realidades que de outra forma nunca se encontrariam. Contudo, devido às suas premissas pouco convencionais, estes momentos devem ser utilizados com ponderação.
10
Annie Hall (1977)
Dirigido por Woody Allen
Woody Allen sempre usou sua voz de maneira explícita e pessoal. Seus filmes muitas vezes aparecem como uma tentativa de falar diretamente ao público, compartilhando sua filosofia e crenças fundamentais. Anne Halluma das obras-primas mais renomadas de Allen, traz a essa abordagem clássica um passo à frente em uma cena específica que desafiou qualquer limite imposto pela tela. Depois de ouvir um personagem particularmente desagradável discutindo em voz alta a teoria da mídia enquanto espera na fila do cinema, Alvy Singer, interpretado por Allen, vira-se para a câmera para expressar sua frustração.
O brilho inventivo do momento reside na inclusão de outros dois personagens: o alvo da exasperação de Alvy, que tenta se defender do ataque do homem, e o teórico da mídia da vida real, Marshall McLuhan, que ajuda Alvy a vencer o debate. O momento termina com Allen revelando ao público como gostaria que a realidade fosse assim, reconhecendo tristemente a natureza ficcional da situação e permitindo que o público entrasse em sua mente.
9
Clube da Luta (1999)
Dirigido porDavid Fincher
Como narrador pouco confiável dos acontecimentos circundantes, o personagem de Edward Norton acompanha o público em sua jornada absurda de autodescoberta durante o filme. Clube da Luta. Seu personagem se dirige constantemente ao público, tentando criar uma experiência compartilhada com eles, além de explicar as nuances e complexidades de seu alter ego, Tyler Durden.
No entanto, à medida que a história avança, o estado mental do narrador parece deteriorar-se, levando-o a perder gradualmente o controlo da realidade. O público se aprofunda em sua psique, mas começa a questionar a veracidade da voz de Norton. Ao confundir os limites entre a realidade e a ficção, tanto como reviravolta na história quanto como dispositivo cinematográfico, o público se torna parte da história. Clube da Luta quebra a quarta parede de forma impressionante, deixando o público se perguntando sobre o que é real e o que não é.
8
Psicopata (1960)
Dirigido por Alfred Hitchcock
Como mestre do suspense, Alfred Hitchcock sabia como terminar seus filmes com uma nota arrepiante, criando uma sensação de encerramento para suas histórias perturbadoras, mas garantindo que elas permaneceriam com o público após a rolagem dos créditos. Por esta razão, a cena final de Psicopata é um dos finais mais engenhosos da história do cinema. A maneira como Anthony Perkins como Norman Bates quebra a quarta parede e ousa sorrir para o público é brilhante.
A preparação para a cena acentua ainda mais sua genialidade. A esperada revelação da verdadeira história de Norman e sua mãe é chocante pelo absurdo da situação e aterrorizante pela natureza da psicologia de Norman. Como as ações de Norman e os motivos que as motivaram são tão perturbadoras, Hitchcock brinca com as reações emocionais. O diretor dá ao seu personagem a oportunidade de confrontar o público perturbado e leva-o com um simples olhar para a profundidade assustadora da psique perturbada de Bates.
7
Amélie (2001)
Dirigido por Jean-Pierre Jeunet
Amélie é a história de uma personagem profundamente fascinante e adorável interpretada por Audrey Tautou, cujas peculiaridades e inocência são a peça central de tudo. Apesar do tom lúdico, há um lado melancólico na personagem de Amélie, enfatizado por sua solidão e distanciamento do mundo. Embora a personagem de Tautou fique muitas vezes em silêncio à medida que a história se desenrola, sua maneira de interagir com o público vale mais do que qualquer outro longo monólogo.
Ao quebrar a quarta parede, Amélie traz os espectadores para a sua realidade extravagante, abrindo-se com o público como se fossem seus confidentes. Essa técnica permite que a personagem desafie sua solidão e interaja com o mundo exterior, ao invés da realidade onde vive. Se a sua natureza excêntrica a impede de criar uma conexão com as pessoas ao seu redor, ao ir além da tela, ela desenvolve um vínculo com o público.
6
A Grande Aposta (2015)
Dirigido por Adam McKay
A Grande Curta não é uma jornada fácil. A história da crise financeira de 2007-2008 é uma área interessante para explorar no grande ecrã, mas pode parecer demasiado complexa para ser digerida em duas horas. Isto é especialmente verdadeiro se o espectador não tiver um amplo conhecimento de termos como “hipotecas subprime” ou “títulos”. Como consequência, o diretor precisava encontrar uma forma criativa de se dirigir ao público e orientá-lo nos pontos mais delicados da história.
A decisão de incluir celebridades queridas em um ambiente cotidiano para interagir diretamente e orientar o público foi uma ideia brilhante. Ao quebrar a quarta parede e adoptar uma abordagem irónica, A Grande Curta usou estrelas como Margot Robbie para explicar com sucesso, de maneira divertida e acessível, as complexidades dos conceitos econômicos.
5
Jogos Engraçados (1997)
Dirigido porMichael Haneke
Como um thriller psicológico que conta a história de dois jovens que atormentam brutalmente uma família através de tortura física e manipulação psicológica, Jogos engraçados é um filme profundamente perturbador. A capacidade de um dos dois personagens principais, Paul, interpretado por Arno Frisch, de quebrar constantemente a quarta parede e olhar profundamente para a câmera contribui para isso e causa arrepios na espinha.
O personagem de Arno quebra a quarta parede cinco vezes ao longo do filme, muitas vezes sorrindo maliciosamente para o público. Esses momentos não existem simplesmente para acentuar a atmosfera perturbadora da história. Pelo contrário, Paul parece ansioso por incluir também os espectadores nos seus jogos distorcidos, investindo-os não apenas com terror, mas também com um sentimento de cumplicidade e, portanto, de responsabilidade pelos acontecimentos abomináveis que se desenrolam diante dos seus olhos passivos.
4
Deadpool (2016)
Dirigido porTim Miller
Semelhante ao seu homólogo dos quadrinhos, começando no filme lançado em 2016, Piscina morta quebra regularmente a quarta parede e interage ironicamente com o público. Retratado por Ryan Reynold, o personagem difere do arquétipo clássico dos super-heróis tanto nos quadrinhos quanto nos filmes por seu humor bruto e pelo contexto incomumente violento e brutal que o cerca.
Deadpool reconhece sua ficcionalidade ao se dirigir à câmera e acentua ainda mais seu status revolucionário, imbuindo-o de uma autoconsciência única que o diferencia de muitos personagens da Marvel. Esses momentos de reconhecimento permitem-lhe criar uma conexão íntima com um público ávido por embarcar nas jornadas absurdas e aventureiras dos super-heróis. Essa abordagem desafia o tropo do herói inacessível, ajudando Deadpool a se tornar uma das figuras mais divertidas da Marvel, mas também um personagem incomumente identificável.
3
Dia de folga de Ferris Bueller (1986)
Dirigido por John Hughes
É fácil cair no charme magnético e brincalhão de Ferris Bueller, já que Matthew Broderick conseguiu atrair o público com seu comportamento travesso. Quando Dia de folga de Ferris Bueller lançado originalmente, em 1986, não era comum ter um personagem quebrando constantemente a quarta parede ao longo de um filme inteiro. À medida que Ferris se dirige à câmera para deixar o público entrar em seus processos de pensamento e observações internas, seu papel alterna entre o personagem principal e a voz narradora.
Isso permite que os espectadores simpatizem com ele e oferece um retrato autêntico da experiência adolescente. A abertura de Ferris ao quebrar a quarta parede cria uma intimidade emocional e um sentimento de companheirismo com o público. Essa técnica, na época inovadora e inexplorada, permitiu ao personagem de Broderick ganhar o status de um jovem e desafiador anti-herói, não muito diferente de um personagem lendário da literatura, Holden Caufield, em Apanhador no campo de centeio.
2
O Lobo de Wall Street (2013)
Dirigido por Martin Scorsese
Jordan Belfort não é um personagem fácil de simpatizar, longe do arquétipo tradicional do herói de coração nobre. No entanto, Martin Scorsese ajudou com sucesso o público a criar uma conexão emocional com o controverso personagem principal de O Lobo de Wall Street. Se o desempenho excepcional de Leonardo DiCaprio desempenhou um papel significativo nisso, a sua oportunidade de quebrar constantemente a quarta parede também foi um factor de influência. Ao dirigir-se regularmente ao público à medida que a história se desenrola, DiCaprio capta o seu interesse.
Romper a quarta parede não permite que Belfort justifique suas ações e se apresente de uma forma mais positiva. Porém, a técnica lança luz sobre o mundo interior do personagem, trazendo uma honestidade e autenticidade que é difícil não valorizar. O brilho desses momentos reside na forma como Scorsese conduz o público a uma história de ambiguidade moral.
1
Laranja Mecânica (1972)
Dirigido por Stanley Kubrick
De maneira semelhante a PsicopataKubrick permite que o personagem principal, Alex, interpretado por Malcolm McDowell, rompa a quarta parede em Uma Laranja Mecânica como forma de enfatizar os temas perturbadores do filme. No entanto, neste caso, o diretor escolhe uma abordagem completamente diferente no momento de deixar o público entrar na história. Em vez de esperar até o final para que o personagem Alex convide o público a entrar, o filme começa com McDowell olhando diretamente para a tela.
Alex oferece um sorriso arrepiante ao público, preparando um cenário assustador para o que está prestes a acontecer. Através de um olhar breve, mas penetrante, Alex compartilha um vislumbre de sua psique distorcida com os espectadores como um aviso (ou uma promessa) da experiência perturbadora que estão prestes a embarcar. Uma Laranja Mecânica quebra a quarta parede de uma forma perturbadora e brilhante, muito antes de muitos filmes modernos que fizeram o mesmo com sucesso.